Titre original : Flags of our fathers

Film américain de Clint Eastwood

Interprètes : Ryan Philippe (John "Doc" Bradley), Adam Beach (Ira Hayes), Jesse Bradford (Rene Gagnon).
Durée : 2 h 12



Note : 5/10
En deux mots : Plaidoyer longuet contre la récupération politico-médiatique de l'héroïsme des GI's de la Guerre du Pacifique.

Le Réalisateur : Né en 1930 à San-Francisco, Clint Eastwood a fait de nombreux petits boulots après son retour de l'amée. Il obtient quelques rôles de cinéma avant de figurer dans la série western "Rawhide". C'est avec Sergio Leone et Don Siegel (L'inspecteur Harry) qu'il rencontre le succès. En 1971 il réalise son premier film, "Un Frisson dans la nuit". "Honkytonk Man" (1982) lui vaut une reconnaissance de la critique, avant "Bird" (1988), présenté à Cannes. Son western crépusculaire "Impitoyable" remporte quatre oscars en 1992. Depuis, il enchaîne les succès, tant vis-à-vis du public que de la critique : "Un Monde Parfait" (1993), "Sur la Route de Madison"(1996), "Minuit dans le Jardin du Bien et du Mal" (1998),  "Jugé Coupable" (1999), "Space Cowboys" (2000), "Mystic River" (2003), "Million dollar Baby" (2005) à nouveau récompensé à la cérémonie des oscars.

L'histoire : En décembre 1944, les Marines partent à l'assaut de l'îlot rocheux d'Iwo-Jima, premier morceau du territoire japonais défendu avec acharnement par 12 000 soldats nippons. Le débarquement ayant été décidé après un bombardement insuffisant, les pertes sont considérables. Après cinq jours de combats acharnés, les Marines prennent leur premier objectif, le Rocher qui domine l'île. Six soldats hissent le drapeau en haut du promontoire, et un photographe, Joe Rosenthal, immortalise la scène.

C'est cette photo plutôt qu'une autre qui est immédiatement mise en avant par la presse et par les propagandistes de la collecte de fonds. Les trois soldats survivants sont ramenés aux Etats-Unis et enrôlés dans une tournée à travers tout le pays pour promouvoir l'effort de guerre.

Mais les visages étant masqués sur la photo, des erreurs ont été commises, tant en ce qui concerne les survivants que les morts. Les trois "héros" se sentent dans la peau d'usurpateurs, et aucun ne réussira à se remettre de cette expérience.

La critique : Et bien ça y est, on le sait maintenant : même Clint Eastwood peut rater un film.

Pourtant, de nombreux ingrédients nous laissaient présager le meilleur. Le sujet, tout d'abord : comment une image, ici une photo, peut à la fois modifier le destin d'une nation et bouleverser la vie des hommes qui en sont les "héros", bien plus Fabrice à la bataille de Waterloo que John Wayne. Tourner un film aujourd'hui aux Etats-Unis sur la mise en scène et la manipulation de l'information à des fins de propagande n'est pas neutre à l'heure où plus un Américain ne croit à la présence d'armes de destruction massive dans l'Irak de Saddam.

Les scénaristes, ensuite : Paul Haggis, déjà auteur du scénario de "Million dollar Baby" et réalisateur de l'oscarisé "Collision", grand spécialiste de la narration labyrinthique, et William Broyles Jr, scénariste de "Jarhead", un beau film sur une autre guerre, celle du Golfe.

La démarche, enfin : celle qui a consisté à tourner deux films sur cette bataille décisive dans l'issue de la guerre (c'est la résistance acharnée de ses défenseurs qui convainquit Truman de faire usage de la bombe atomique), le second, "Letters from Iwo-Jima", dont la sortie est prévue en janvier, racontant le point de vue des Japonais.

Alors, qu'est-ce qui a manqué à ce film pour répondre à nos attentes ? Un peu de fluidité narrative, d'abord. Une construction faisant appel à différents moments du récit, avec des flash-backs nombreux et souvent syncopés, cela peut apporter dynamisme et mystère à la présentation d'une histoire. Là, comme on a compris au bout d'un quart d'heure quel va être le propos du film, ce dédale ne fait que perdre le spectateur et étirer une durée déjà trop longue.

Il y a ensuite quelque chose autour de la direction d'acteurs qui pose problème : est-ce le casting bien trop anonyme (cette fois-ci, pas de Sean Penn, de Tim Robbins ou de Morgan Freeman au générique), ou une exagération parfois caricaturale du jeu des acteurs, et particulièrement celui d'Adam Beach qui joue le soldat indien, le plus tourmenté par la mauvaise conscience et le sentiment d'imposture.

Et puis, des choix de réalisation laissent perplexe : une image sépia assez laide, qui peut se justifier sur les scènes de combat mais qui tourne au truc pour le reste du film ; une façon de filmer la guerre déjà vue, notamment dans "Il faut sauver le Soldat Ryan" ou dans "Stalingrad" ; une complaisance pour les images gore, qui paradoxalement affaiblissent l'horreur par leur exagération grand-guignolesque.

Il y a bien ça et là quelques scènes où l'on retrouve la touche du vieux maître de Carmel : la mère d'un soldat qui reconnaît son fils de dos sur la photo, l'étreinte de Ira et de la mère d'un de ses camarades tué au combat, une façon de nous montrer que ces GI's hier comme les soldats aujourd'hui en Irak n'étaient que des gosses.

C'est peu. Espérons que les lettres japonaises permettront à Clint Eastwood de retrouver le souffle de ses dernières oeuvres et de nous sortir de l'ennui légèrement agacé avec lequel nous avons vu "Mémoires de nos Pères".

Cluny

Film anglais de Stephen Frears
Interprètes : Helen Mirren  (Elisabeth II), Michael Sheen (Tony Blair), James Cromwell (Le Prince Philip), Alex Jennings (Le Prince Charles).
Durée : 1 h 37



Note : 8,5/10
En deux mots : La promeneuse des champs de Balmoral : reconstitution minutieuse et passionnante de la semaine qui a suivi la mort de Diana.

Le Réalisateur : Né en 1941 à Leicester, Stephen Frears réalise son premier film, «Gumshoe», en 1971. Entre 1985 et 1987, le réalisateur signe trois films très virulents inspirés par la déliquescence de la société britannique : «My Beautiful Laudrette», «Prick up», et  «Samy et Rosy s’envoient en l’air».
A partir de 1988 («Les liaisons dangereuses»), il alterne les réalisations des deux côtés de l’Altantique : «Les Arnaqueurs», «Mary Reilly», «Dirty Pretty Things», "Mrs Henderson Presents"

L'histoire : Fin août 1997. Le Royaume-Uni vient d'élire un nouveau premier ministre, le travailliste Tony Blair. Il est présenté à la reine qui ne lui accorde que quelques minutes. Le 31, alors que la famille royale est dans sa résidence écossaise de Balmoral, Diana meurt à Paris. Immédiatement, Tony Blair comprend l'intensité de l'émotion qui va submerger le pays et le monde entier. Pour la reine et ses proches par contre, il ne s'agit que d'une affaire privée, la princesse ne faisant plus partie de la famille royale depuis son divorce.

Tony Blair doit à la fois tenter d'infléchir la reine dont l'entêtement met en danger la monarchie, et contenir la virulence de ses proches, à commencer par celle de sa femme.

La critique : Le film commence et se termine par la même scène : la visite de Tony Blair à Buckingham. La première met aux prises un chef de gouvernement intimidé et gauche et une souveraine à peine intriguée par son onzième premier ministre, et s'amusant de voir le modernisateur du pays englué dans le protocole, ne s'offusquant même pas de l'effronterie de Cherie Blair, dont les sympathies républicaines ne sont un secret pour personne.

La seconde visite quelques mois plus tard s'achève par une promenade dans les jardins du château à laquelle la reine a invité le leader travailliste et où elle avoue son désarroi devant les manifestations de rejet de ses sujets. Entre les deux visites, un cataclysme a frappé l'institution monarchique : non pas tant la mort de celle que Blair, habilement conseillé, a appelé "la princesse du peuple", mais l'incompréhension puis la colère des Britanniques devant l'absence de réaction de la famille royale.

Stephen Frears dans un montage parallèle nous montre jour après jour, presque heure après heure, les deux lieux où se joue cette tragédie : le château de Balmoral dans les Highlands écossais, et la résidence de Tony Blair (d'abord dans sa circonscription, puis au 10 Downing Street) ; entre les deux, omniprésente, la télévision qui tourne en boucle, témoignant de la montée de l'émotion. Au centre de chacun de ces lieux, la souveraine et son premier ministre, ayant à faire face aux pressions de leurs entourages.

La reine est soutenue dans sa rigidité par son mari, obtus comme un colonel de l'armée des Indes et qui n'a comme seule solution pour détourner les princes Harry et William de leur chagrin que d'organiser une chasse au cerf, et par la queen mother, qui découvre avec horreur que le cérémonial des funérailles choisi n'est autre que celui de ses propres obsèques, qui présentent l'avantage d'avoir déjà été répétées ! Le Prince Charles, ainsi que le conseiller personnel de la reine prennent plus vite la mesure de la faille qui se creuse entre la souveraine et ses sujets.

De son côté, Tony Blair doit faire face aux reproches de ses conseillers et de son épouse, qui va jusquà lui suggérer que sa mansuétude pour la reine s'explique sans doute par une indentification de cette dernière à sa propre mère !

Il en est de la mort de Diana comme du 11 septembre : que peut nous apporter de nouveau le cinéma ? Comment faire des images -et du sens- sur un événement qui a déjà produit des images qui sont présentes dans la mémoire de chacun ? Stephen Frears a choisi d'utiliser ces images par le biais de la télévision, se contentant de quelques reconstitutions pour intégrer des gros plans de ses acteurs dans les plans d'ensemble d'époque, et de filmer l'intimité des protagonistes : Blair dans sa cuisine avec son maillot des magpies, ou la reine en robe de chambre...

Ce qui fait aussi la force du film et qui le rend passionnant, loin de tout manichéisme, c'est que le cinéaste des "Liaisons dangereuses" adopte le point de vue de Blair sur la reine, et lui trouve les mêmes excuses : celles de rester fidèle à son serment vieux d'un demi-siècle, et de faire passer ce qu'elle pense être les intérêts du pays avant sa propre vie. Et de fait, on voit aussi une grand-mère sincérement soucieuse de protéger "les garçons", ou une femme finalement très seule au milieu de tant de monde comme l'illustre la très belle scène où le land-rover qu'elle conduit tombe en panne au milieu d'un gué perdu dans les collines, et où enfin elle peut vider son émotion... jusqu'à ce qu'apparaisse un cerf, cousin écossais de celui que rencontrait De Niro dans "Voyage au bout de l'Enfer".

Et puis, impossible de ne pas souligner les performances des acteurs : Helen Mirren, bien sûr, justement récompensée à Venise, qui fait oublier un gabarit et des traits différents de ceux de son illustre modèle par un jeu d'une grande subtilité ; Michael Sheen, qui a déjà interprété Tony Blair dans un téléfilm de Stephen Frears, et qui a le même sourire à la fois séducteur et carnassier que le chef du New Labour. James Cromwell enfin, cantonné aux rôles de méchants dans les films américains ("Space Cowboys", 'I-robot", "L.A. Confidential") et qui incarne ici un prince Philip borné à souhait, appelant sa royale épouse "mon chou"...

Cluny

Film français de Manuel Pradal

Interprètes : Harvey Keitel (Roger), Emmanuel Beart (Alice), Norman Reedus (Vincent)

Durée : 1 h 42

Note : 7/10

En deux mots : Thriller bien ficelé écrit par Tonino Benacquista et tourné à New York. La fin est décevante.

Le réalisateur : Né en 1966 à Montpellier, Manuel Pradal a fait la FEMIS et la Villa Médicis à Rome. Il réalise en 1997 son premier long métrage "Marie Baie des Anges" qui reçoit le Tiger Award. En 2002, il réalise le thriller "Ginostra", déjà avec Harvey Keitel.

L'histoire : En rentrant un soir chez lui, Vincent découvre le corps de sa femme qui vient d'être assassinée. Il se souvient avoir croisé un taxi new-yorkais conduit par un homme en veste rouge portant une chevalière.

Trois ans plus tard, il n'arrive pas à oublier, et survit dans un appartement d'un immeuble minable, s'intéressant juste aux courses de lévriers. Alice sa voisine qu'il repousse, comprend qu'il ne pourra passer à autre chose que quand il aura retrouvé l'assassin. Elle choisit au hasard un chauffeur de taxi, Roger, et le séduit pour pouvoir fabriquer des preuves qui puissent l'accabler aux yeux de Vincent.

La critique :  Le scénario est cosigné par Manuel Pradal et Tonino Benacquista, l'auteur de "Saga", "Les Morsures de l'Aube" et "De battre mon Coeur s'est arrêté". Il s'agit d'un scénar à l'ancienne, une histoire de vengeance et de machination, ayant pour cadre un New York plus noir que jamais, noir parce que souvent capté la nuit, mais aussi parce que filmé loin de Broadway et de Time Square et sublimé par la photograhie de Yorgos Arvanitis, le chef-op d'Angelopoulos. Les fenêtres sur cour ne servent pas à assister à l'accomplissement d'un meurtre, mais permettent à Alice d'observer la douleur intacte de Vincent, douleur qui l'empêche de tourner la page, et de s'intéresser à elle autrement que comme la bonne copine d'à côté.

Elle comprend que seule la découverte de l'assassin de sa femme pourra mettre fin à cette douleur. Et comme la police a clos depuis longtemps l'enquête, et qu'il y a 12 000 taxis à New York, il ne lui reste plus qu'à prendre un chaufeur au hasard, et à le transformer en coupable idéal. Elle choisit donc Roger, une sorte de Travis Bickle qui n'aurait pas basculé dans la folie meurtrière trente ans plus tôt. Mais comme lui, on sent des failles, un rapport à la violence et à la soufrance peut-être né aussi au Vietnam, ce qui expliquerait sa phobie de Chinatown. Le choix d'Harvey Keitel n'est d'ailleurs sans doute pas un hasard, lointain écho de sa participation au chef d'oeuvre de Scorsese.

Jusqu'à la réalisation du plan de la jeune femme, l'histoire fonctionne bien et les non-dits de Roger et d'Alice, ainsi que les ambiguités de leur relation réussissent à maintenir une tension propre au genre. Malgré certaines facilités, comme la description de ces bars glauques que fréquentent Roger ou de son loft avec passage du métro aérien qui ponctue ses coups de reins, on peut croire à ces trois personnages abimés par la vie.

Malheureusement, la dernière demi-heure s'enfonce dans l'invraisemblance, tant par rapport aux événements qu'à la psychologie des personnages. Et justement, ce qui manque dans ce film, c'est le doute qui planait sur le sens à donner à la dernière scène de "Taxi Driver" ; à la place, on a le droit à un happy end préfabriqué, loin de la rédemption scorsesienne, et contradictoire avec le propos même du film, à savoir l'inéluctabilité du mal pour guérir d'un autre mal.

Cluny