Film israélien de Ronit et Shlomi Elkabetz

Titre original : Shiva

Interprètes : Ronit Elkabetz (Vivianne), Albert Illouz (Meir), Yaël Abecassis (Lili)



Durée : 1 h 41

Note :  6,5/10

En deux mots : Huis clos funéraire sur fond d'alerte aux Scuds irakiens ; forcément pesant, malgré quelques fulgurances, .

La réalisatrice : Née en 1966 à Beer-Sheva d'une famille d'origine marocaine, Ronit Elkabetz a suivi des études de stylisme. A 25 ans, elle passe une audition et obtient le rôle principal de "Prédestiné", de Daniel Wachsmann. Devenue une des plus célèbres commédiennes israeliennes, elle s'installe en 1997 à Paris où elle travaille au Théâtre du Soleil d'Ariane Mnouchkine. Elle joue dans de nombreux films, dont "Mariage tardif", "Mon Trésor" et "La Visite de la Fanfare".
En 2004, elle réalise avec son frère Shlomi son premier long métrage, "Prendre Femme".

Le sujet : Toute la famille Ohaion se retrouve dans la maison du défunt, Maurice. Comme le veut la tradition, ses membres vont y rester sept jours pour se recueillir. Mais aussi bien les éléments de la vie extérieure (on est en pleine Guerre du Golfe, et Israel subit les attaques des Scuds de Saddam Hussein) que ceux de la vie familiale (la faillite annoncée de l'usine familiale, la candidature à la mairie d'un des frères, et les nombreuses rancoeurs accumulées au fil des années) vont perturber la sérennité de ce deuil.

La critique : Le premier plan, fixe, cadre la mère assise qui se lamente, alors qu'on ne voit que les vêtements noirs de tous ceux qui l'entourent au bord du trou où l'on fait glisser le corps de son fils. Puis les femmes apparaissent dans le cadre, l'épouse, les soeurs et belles-soeurs de Maurice qu'on enterre, elles accompagnent la matriarche dans la gestuelle du chagrin. Alors que le cadre s'élargit en découvrant les hommes qui demandent le silence pour dire le kaddish, la sirène retentit, et on comprend à quoi servent les étranges boîtes en carton que tous portent en bandoulière, quand on voit chacun en sortir son masque à gaz. Et le plan s'achève à nouveau sur la mère entourée de ces masques grotesques, elle qui n'a à mettre devant ses yeux que son mouchoir...

Ouverture brillante, qui ilustre une fois de plus que le cinéma n'a pas obligatoirement besoin de grues, de dollies et d'effets 3D pour raconter une histoire, et que le montage interne à un plan-séquence crée bien plus de tension dramatique qu'une succession épileptique de plans d'une demi-seconde. D'emblée, nous sommes sur le terrain de la représentation, comme le souligne Shlomi Elkabetz : "Cette coutume du deuil est une sorte de performance, de spectacle. C'est une représentation de la douleur dans laquelle l'individu exprime l'intensité de sa peine face au groupe. Les gens ne gémissent pas ainsi lorsqu'ils sont seuls dans une pièce. Durant le deuil, on se doit de montrer sa douleur à la société. Sinon, on est rejeté par son entourage."

On sent que Ronit Elkabetz, actrice de cinéma mais aussi de théâtre formée par Ariane Mnouchkine, a été fascinée par l'aspect théâtral de ce rituel. Le recours aux plans fixes et aux plans séquences souligne une mise en scène proche de la scénographie dramatique, avec un sens aigu de la composition, ainsi qu'une lumière et une photographie très contrastées qui sculptent les visage comme sur des tréteaux.

Les acteurs principaux de ce spectacle sont les six frères et la soeur de Vivianne, l'héroïne de "Prendre Femme", le premier volet de la trilogie annoncée. L'autre héros de ce film situé deux ans auparavant est là aussi, joué par Simon Abkarian ; ayant refusé le divorce demandé par Viviane, il impose sa présence, comptant sur la solidarité machiste pour que ses beaux-frères raisonnent son épouse, veillant au passage au respect de l'orthoxie religieuse de ce huis-clos. Shlomi Elkabetz justifie cette évolution d'un film à l'autre : "Nous voulions raconter l'histoire de l'intérieur vers l'extérieur ; en commençant par la cellule primaire, un homme et une femme dans Prendre Femme, puis par couches successives, en élargissant les relations et interactions aux autres membres de la famille."

Unité de lieu, unité de temps, unité d'action : si à l'exception du cimetière, tout se passe dans le huis-clos de la maison, si la durée est bien celle indiquée dans le titre, il difficile de parler d'unité d'action ; car la cohabitation de tant de monde durant sept jours en respectant des préceptes très contraignants (ne pas manger de viande, ne pas dormir dans des lits, ne pas sortir de la maison) ne peut se contenter de recueillement et de prières. Pendant cette durée, la vie continue et celle des protagonistes semble passablement compliquée ; progressivement, des conflits passés, présents ou à venir éclatent, jusqu'à une scène paroxystique où le grand déballage laisse frères et soeurs abasourdis.

Là réside sans doute la faiblesse principale du film : la multiplicité des rancoeurs et des non-dits additionnée à l'ambiance étouffante du huis clos rendent la narration difficile à suivre, et même à certains moments, carrément pénible. Le choix des deux réalisateurs de faire appel à de nombreuses vedettes du cinéma israélien n'arrange pas les choses, tant on sent que chacun cherche à imposer son personnage comme le plus pathétique, et cette surrenchère finit par lasser, d'autant plus que la quasi intégralité des différents tournent autour de questions d'argent.

Heureusement, la fin fait écho au début, avec notamment la dernière réunion où enfin la douleur n'est plus feinte, mais ressentie par chacun non pas tant par rapport à la perte de celui qu'on est censé pleurer, mais vis à vis de ce que ces sept jours ont révélé d'échecs individuels et familiaux ; de même, le dernier plan est le symétrique du premier, nouveau plan fixe qui voit la famille rafistolée tant bien que mal occuper le cadre avant de sortir du champ et laisser la place au vide.

Choisi pour faire l'ouverture de la Semaine de la Critique à Cannes cette année, "Les Sept Jours" montre une fois de plus la vitalité et la diversité du cinéma israélien ; le brio de la mise en scène de certaines scènes éblouissantes suffit à contrebalancer le sentiment d'étouffement et de d'amertume qui traverse la plus grande partie du film.

Cluny