Film français de Pascal Bonitzer

Interprètes : Miou-Miou (Eliane Pages), Pierre Arditi (Henri Pages), Lambert Wilson (Pierre Collier), Valeria Bruni Tedeschi (Esther)

Durée : 1 h 33

Note :  4/10

En deux mots : Adaptation vieillotte et poussive du "Vallon", d'Agatha Christie.

Le réalisateur : Né en 1976 à Paris, Pascal Bonitzer étudie la philo à Nanterre avant d'intégrer Les Cahiers du Cinéma. Il écrit son premier scénario en 1976, "Moi, Pierre Rivière", pour René Allio. Il écrit ensuite pour Jacques Rivette (10 films, dont "La Belle Noiseuse"), Raoul Ruiz, André Téchiné ("Les Innocents"), Barbet Schroeder ou Benoît Jacquot.

Il passe à la réalisation en 1995 avec "Encore", suivi de "Rien sur Robert" (1999), "Petites Coupures" (2003) et "Je pense à vous" (2006)

Le sujet : Le sénateur Henri Pages et sa femme Eliane ont invité quelques amis dans leur château pour passer le week-end. Quand le psychanalyste Pierre Collier est assassiné dans la piscine, de nombreux invités sont suspects : sa femme Claire trouvée un pistolet à la main, sa maîtresse Esther qui l'a surpris avec Lea, l'actrice italienne qui l'a connu dix ans avant, ou Philippe, son rival, écrivain raté et alcoolique.

La critique : Quelle étrange idée que celle de situer l'intrigue du "Vallon" en France de nos jours. Ce roman paru en 1946 se déroulait dans la campagne anglaise, et mettait en scène Hercule Poirot (même si Agatha Christie fit disparaître son détective belge dans l'adaptation théâtrale qu'elle signa cinq ans plus tard) ; c'était un pur Agatha Christie, avec un lord gentleman-farmer et son épouse, un médecin, une sculpteur, et toute une floppée de majordomes et de cuisinières, bref un polar typically british.

L'intérêt de transposer l'action de nos jours aurait été de moderniser tout ce contexte, et ces relations de classe très datées, en ne conservant que les péripéties de l'intrigue policière. Mais Pascal Bonitzer a curieusement conservé les principales caractéristiques des personnages, se contentant d'une francisation réduite à une correspondance terme à terme (lord = sénateur, médécin = psychiatre) et à la suppression du personnage d'Hercule Poirot.

Il en résulte une ambiance étrange, très surannée ; à la fois dans la description de cette bourgeoisie pompidolo-chabrolienne, dans la menée maigretiste de l'enquête, et dans des dialogues trop écrits qui sonnent souvent faux. Pascal Bonitzer explique le concept qui a présidé à la réalisation : "C'est un Cluedo si l'on veut, c'est aussi une sorte de puzzle, et j'ai voulu que formellement le film soit construit comme cela. Peu de plans-séquences. Les plans sont morcelés, éclatés, comme des pièces de puzzle qui attendent d'être rassemblées, emboîtées, mais qui se présentent dispersées sur la table." Voila qui éclaire l'impression bizarre que j'ai eu plusieurs fois durant la projection, devant des faux raccords ou des ellipses malvenues, et une absence de fil conducteur qui amène à une révélation qui tombe comme un cheveu sur la soupe après des fausses pistes elles-mêmes peu convaincantes.

Dans cette galerie de personnages caricaturaux, chacun fait ce qu'il peut et on peut rendre grâce à Pierre Arditi ou à Valeria Bruni Tedeschi pour leur conscience professionnelle, même si elle ne suffit pas à rendre crédible des dialogues bien poussiéreux. Seule à surnager dans ce marasme, Miou-Miou donne vie à son personnage de grande bourgeoise nunuche, prononçant d'une voix haut perchée des répliques du style "Ah bon ? Il travaille dans l'humanitaire ? Quelle drôle d'idée !" ou lorsque sa maison est envahie par une perquisition "A quoi ça sert que tu sois au Sénat ?".

Moins heureux que Pascal Thomas dans l'adaptation hexagonale d'Agatha Christie, Pascal Bonitzer a sans doute été victime de la demi-mesure entre la reconstitution fidèle comme celle de Podalydés avec Rouletabille et la transposition libre comme celle de Truffaut avec David Goodis ou William Irish. Décidément, vivement le début du Festival de Cannes, que se rouvrent les vannes d'un cinéma innovant !

Cluny

Film américain de Jon Favreau

Interprètes : Robert Downey Jr (Tony Stark), Terrence Howard (Jim Rhodes), Gwyneth Paltrow (Pepper Potts), Jeff Bridges (Obadiah Stane)

Durée : 2 h 05

Note :  5,5/10

En deux mots : Nouvel épisode de "La morale et la géopolitique racontées aux petits Américains". Divertissant.

Le réalisateur : Né en 1966 à New York, Jon Favreau rejoint en 1984 Tim Meadows et Mike Myers dans la troupe d'improvisation Chicago's ImprovOlympic. Il apparaît à l'écran en 1992 dans "Hoffa", et il se spécialise dans des rôles de comédie. En 2000, il passe à la réalisation avec "Made", qui sera suivi en 2002 par "Elfe" et en 2004 par "Zathura, une aventure spatiale".

Le sujet : Le patron d'une puissante compagnie d'armement, Tony Stark, est capturé en Afghanistan par un groupe de terroristes internationaux. Sommé par ses geoliers de fabriquer pour eux un exemplaire de son dernier missile, il fabrique une armure high tech qui lui permet de s'échapper.

Revenu aux Etats-Unis, il annonce qu'il va fermer la branche armement de son entreprise. Mais pendant qu'il perfectionne son armure, le n°2 de la compagnie, Obadiah, ne l'entend pas de cette oreille...

La critique : Ayant un peu plus que huit ans d'âge mental, je n'avais pas prévu d'aller voir "Iron Man". Mais après une adaptation mollassonne d'Agatha Christie et un drame psychologique dépressif, et devant l'incurie de l'offre cinématographique, week-end de quatre jour oblige, pourquoi pas ?

Stan Lee, le créateur d'Iron Man (entre autres),  explique la génèse du personnage : "Ce qui m'a poussé à créer un personnage comme Iron Man, c'est que je voulais tenter quelque chose qui change du super-héros habituel. En 1963, il incarnait tout ce que les jeunes lecteurs de l'époque ne portaient pas dans leur coeur : c'était un industriel qui inventait des machines de guerre. Je me suis dit que j'allais m'arranger pour que les jeunes le trouvent attachant en faisant de lui un type intéressant, riche, élégant et séduisant."

D'ailleurs, dans la version originale, ce n'est bien entendu pas en Afghanistan que Tony Stark était enlevé, mais au Viet-Nam, même si en 2004 Marvel Comic a réécrit sa génèse en plaçant l'épisode fondateur dans un pays d'Asie indéterminé. Donc, Iron Man est né d'une volontée de réhabiliter les marchands d'armes américains. Pourtant, au début de cette version cinématographique labellisée par Marvels Comics, Tony Stark nous est présenté comme un mélange de Charlie Wilson (pour le whisky et les petites pépées) et de Yuri Orlov (pour le cynisme mercantile), et s'il est indubitablement riche, élégant et séduisant, son intérêt moral demeure plus que douteux.

Mais suite à sa captivité dans une grotte afghane (le chef des terroristes est chauve et glabre, et toute référence religieuse est gommée, mieux vaut avoir un ennemi vénal que fanatique), Tony Stark découvre que ses armes servent aussi aux ennemis de l'Amérique, et ça, ça le troue (littéralement, d'ailleurs, puisqu'il se trouve équipé d'un pacemaker high tech) ! La naïveté étant une vertu américaine, on ne lui reprochera donc pas d'avoir ignoré ce que savent six milliards de terriens.

Au delà de la modernisation du contexte international, cette énième adaptation d'un super-héros de comics est très fidèle à l'histoire originelle, y compris les personnages de Yinsen, Rhodes, Potts et Obadiah. L'intérêt (relatif) de cet opus-là réside non pas dans ses ressemblance avec ses collègues de Marvel (Spider-Man, Superman et autre Batman) : super-pouvoirs, trahison d'un proche et super-baston finale contre son double, mais bien plutôt les différences avec la trame canonique. Ainsi, les duels sont assez peu nombreux, et on passe beaucoup plus de temps à voir Tony Stark tâtonner dans son labo à essayer de mettre au point son armure à mi-chemin entre Robocop et le Géant de Fer, qu'à le suivre dans des combats manichéens.

Du coup, et en l'absence d'un adversaire de la taille d'un Joker ou le Bouffon vert, on a le temps de s'intéresser au jeu à la limite du cabotinage de Robert Downey Jr, qui réussit à rendre sympathique un vendeur de mort, et peut-être plus encore dans sa période sans scrupule. Accompagnée par Gwyneth Paltrow qui campe une sorte de Miss Moneypenny assez savoureuse, il parvient à combler la légère indolence du scénario et le manque de surprise de ce nouvel avatar du genre préféré des studios en manque de créativité.

Cluny

Film argentin de Lucia Cedron

Titre original : Cordero de Dios

Interprètes : Leonora Balcarce (Guillermina), Mercedes Moran (Teresa), Jorge Marale (Arturo) 

Durée : 1 h 30

Note :  7/10

En deux mots : L'histoire de l'Argentine de la dictature à la crise, racontée avec intelligence à travers le destin de la mère, de la fille et du grand-père.

La réalisatrice : Née en 1974, Lucia Cedron et sa famille s'installent en France après la décès de son père dans des circonstances mystérieuses. A l'Université de la Sorbonne, Cedrón décroche des diplômes en Littérature, Histoire et Etudes Cinématographiques. Après ses études elle produit des documentaires pour la télévision française mais décide de retourner à Buenos Aires en 2002 où elle réalise son premier court métrage, En ausencia, qui gagne l'Ours d'Argent au Festival de Berlin en 2003.

Le sujet : En 2002 à Buenos Aires, Guillermina apprend l'enlèvement de son grand-père maternel Arturo quand elle reçoit par téléphone la demande de rançon. Elle prévient sa mère Teresa qui vit en France depuis 1978, année où elle s'était réfugiée avec sa fille après la mort de son mari. Teresa revient pour la première fois en Argentine, et elle s'oppose à sa fille qui est prête à tout pour sauver son grand-père, à vendre leur maison ou à aller supplier un ami d'Arturo, ancien général de l'époque de la junte militaire.

La critique : Agnus Dei, c'est l'agneau de Dieu qui enlève le pêché du monde, symbole du pardon en débat dans cette Argentine ravagée par la crise économique de 2002, et habitée par les fantômes des victimes de la dictature ; c'est aussi la peluche qu"Arturo offre pour l'anniversaire de sa petite-fille, mais qui sert d'indice pour révéler à Teresa le rôle que son père a pu jouer dans la mort de son mari. Car si de nombreux sujets soutiennent le film (les effets de vie politique d'un pays sur ses habitants, les relations difficiles entre les générations, le rôle des objets et des lieux dans le souvenir), le thème principal est celui auquel est confontée l'Argentine face à son passé insuffisament apuré, à savoir le prix du pardon.

La réalisatrice Laura Cedron raconte ainsi la genèse de son film : "En décembre 2001, le pays a été plongé dans une terrible crise marquée en premier lieu par la démission du Président de la République d'Argentine, Fernando de la Rúa. Il en a résulté un chaos économique, politique et social que le pays traverse encore à ce jour et qui a notamment entraîné, face à la brutale paupérisation de toutes les classes sociales et au sentiment de désespoir général, une nouvelle vague d'enlèvements, cette fois-ci pour motifs économiques." Laura Cedron, qui vivait depuis 25 ans en France, voyageait justement en Argentine à cette époque là, et elle décida alors de se réinstaller dans son pays natal. Pour elle, "Agnus Dei" est en partie le fruit de ces retrouvailles avec la société argentine.

Comme son héroïne Guillermina, elle a dû suivre sa mère en exil après la mort de son père lors des années sombres de la dictature des généraux, et l'action du film navigue en permanence entre ces deux périodes décisives dans l'histoire des personnages, de la réalisatrice et de l'Argentine. Les années 70 sont signifiées par un photographie mordorée, qui s'oppose aux couleurs plus foides de 2002, comme si le souvenir, surtout celui d'une gamine, colorait la remémoration d'une période pourtant marquée par la peur et la douleur.

La période de 1978 est aussi évoquée, pays de Maradona oblige, à travers le prisme de la Coupe du Monde de 1978. Le père de Guillermina commente encore à la radio l'actualité du football au début du flash back, et il évoque les choix de Carlos Menotti, les chances du pays face à l'Italie la France et la Hongrie, adressant un message personnel à sa fille adorée en citant son surnom de Kalinki parmi les spécialistes auquel il rend hommage.

Les deux actions de 1978 et 2002 se déroulent donc en parallèle, les transitions se faisant à partir d'un lieu, d'un objet ou d'une phrase. Progressivement, on comprend que malgré ces 24 années écoulées, les maux d'aujourd'hui s'expliquent par les souffrances jamais cicatrisées d'hier. On le comprend, voire on le devine, car les choses ne sont jamais affirmées de façon démonstrative ou ostensible. Il faut parfois reconstituer le puzzle entre ellipse et épure, et ce n'est pas un hasard si Laura Cedron filme souvent à travers des vitres dépolies, des roues de bicyclettes ou dans le reflet d'un miroir.

Elle réussit aussi à reconstituer la répression de la junte sans jamais nous montrer les bourreaux, signifiés par des coups frappés à la porte, des hurlements dans la rue, ou surtout par la peur toujours palpable des opposants. De même, la conversation de 1978 entre Arturo et son ami qui deviendra général, clé de voute de l'intrigue, nous demeure muette, même si on peut facilement la reconstituer ; mais au moins il peut nous rester, comme à Guillermina, l'ombre d'un doute.

Par son sujet, mais aussi par la délicatesse du traitement et la toile de fond footballistique, "Agus Dei" rappelle le brésilien "L'Année où mes parents sont partis en vacances". Il est aussi une nouvelle preuve de la vitalité du jeune cinéma argentin, celui de Rodrigo Morreno, Fabian Bielinski ou Carlos Sorin.

Cluny