Film philippin de Brillante Mendoza

Titre original : Foster Child

Interprètes : Cherry Pie Picache (Thelma), Eugen Domingo (Bianca), Kier Alonzo (John John)



Durée : 1 h 38

Note :  6,5/10

En deux mots : "Adieu Philippines", la dernière journée d'un enfant dans sa famille adoptive, filmée comme un documentaire ; Un peu lent, mais parfois poignant sans jamais tomber dans le mélo.

Le réalisateur : Né en 1960 à San Fernando, dans la province de Pampanga aux Philippines, Brillante Mendoza a suivi des études artistiques à Manille. Il commence sa carrière comme designer pour le cinéma, la télévision et le théâtre. Il a réalisé de nombreuses publicités, avant de tourner son premier film en 2005, "Masahista".

Le sujet : Dans les bidonvilles de Manille, Thelma est chargée par un service social d'élever des enfants abandonnés jusqu'à leur adoption officielle. Ainsi, avec son mari et ses deux grands fils, elle s'occupe depuis 3 ans de John John qui va être adopté par un couple d'Américains, les Stewart.

La critique : Le plan d'ouverture se compose d'un lent panoramique partant des gratte-ciels de Manille, puis s'arrête sur un plan fixe tremblotant sur le ciel bleu pendant que défile le générique, puis un panoramique vertical dévoile le bidonville où vit la famille d'accueil de John John. Cette première scène résume un des aspects essentiels du film : la violence de l'opposition entre la très grande richesse de la nouvelle ville et la très grande pauvreté des quartiers où vivent John John et sa famille adoptive.

En effet, aux Philippines, les services sociaux préfèrent confier les enfants à des nourrices de ces quartiers, car là elles savent qu'elles peuvent compter sur des vies de familles qu'elles ne trouvent plus dans les quartiers aisées où les deux parents travaillent. Pourtant, ce qui frappe d'emblée dans "John John", c'est l'absence de misérabilisme. Dans l'enchevêtrement de leur masure, Thelma et les siens ont su aménager une vraie maison, avec télé, photos de famille et rideaux ; même si la douche se fait dans une bassine, tout le monde porte du linge propre, mange à sa faim, et peut compter sur la solidarité des voisins.

Brillante Mendoza se dit très influencé par le cinéma-vérité : "Je souhaitais que la caméra adopte le point de vue d'une personne étrangère aux évènement qui se déroulent, comme s'il s'agissait d'un observateur extérieur." Il filme donc en longs plans séquences, à la suite de ses personnages dans le dédale des ruelles du bidonville, un peu comme Naomi Kawase dans "Shara". La caméra portée se glisse dans le peu d'espace, avec une alternance de plans rapprochés et de plans d'ensemble. Le parti pris de captation de cette exiguité est à l'opposé de celui de Wong Kar Wai dans les couloirs de Mr Koo : pas de montage interne, pas de savants découpages de l'image, mais une volonté de subir cet environnement, quitte à ce que l'image soit brutalement surexposée quand le personnage émerge du labyrinthe.

Pas ou presque pas de musique, un son pris à la volée pour renforcer l'impression documentaire. Ce dépouillement un peu trop systématique peut lasser, comme cette séquence où le fils de Thelma prépare à manger, sans aucune ellipse, de l'ouverture malhabile de la boîte de conserve jusqu'à la cuisson des pâtes. Cette façon de filmer dans la continuité s'avère plus intéressante quand Thelma et Bianca l'assistante sociale arrivent dans les couloirs de l'hôtel de luxe où résident les parents adoptifs. Brillante Mendoza n'avait pas expliqué à l'actrice qui jouait Thelma où elle devait aller, et ses déplacements réellement erratiques soulignent le choc que représente pour elle un tel étalage de richesse, choc qui atteindra son paroxysme dans la scène de la douche.

Plein de tendresse pour ses personnages, "John John" ne juge pas, ne professe aucune doctrine ; il met en scène des gens positifs, tant du côté des nourrices et de leurs encadrantes que du côté des adoptants, même si ceux-ci sont un peu maladroits dans leur jovialité. Il réussit simplement à rendre crédible l'émotion de Thelma, sans recourir au pathos ni aux facilités de mise en scène. Malgré ses longueurs et quelques digressions inutiles, ce film très réfléchi nous permet d'espérer un retour du cinéma phlippin absent des écrans occidentaux depuis la disparition de Lino Brocka.

Cluny

Film américain de Michel Gondry

Titre original : Be Kind Rewind

Interprètes : Jack Black (Jerry), Mos Def (Mike), Danny Glover (Mr Fletcher), Melonie Diaz (Alma)



Durée : 1 h 34

Note :  6,5/10

En deux mots : Fable gentillette sur des bricolos qui refilment des standards du cinéma façon Dailymotion, Plaisant, mais ça manque de liant.

Le réalisateur : Né à Versailles en 1963, Michel Gondry fonde durant ses études à l'Ecole d'Arts Appliqués le groupe rock Oui-oui, pour lequel il tourne des clips. Il est remarqué par Björk, qui lui demande de réaliser plusieurs clips (dont «Bachelorette», «Army of me», suivi par les Rolling Stones («Like a Rolling Stone») et IAM («Le Mia»). 

Après deux courts-métrages, Michel Gondry tourne son premier long-métrage en 2001, «Human Nature», une fable philosophique avec Patricia Arquette et Tim Robbins. En 2004, «Eternal Sunshine of the Spotless Mind» avec Jim Carrey et Kate Winslet obtient l'oscar du meilleur scénario. En 2006, il réalise en France "La Science des Rêves".

Le sujet : Dans la petite ville de Passaic, New Jersey, Mr Fletcher possède une boutique de location de VHS. Le service de l'urbanisme de la ville lui propose de le reloger dans une cité afin de pouvoir détruire la batisse centenaire. Il part en voyage et laisse le magasin à Mike, à qui il interdit de laisser entrer Jerry. Celui-ci manque d'être électrocuté en tentant de saboter le transformateur du quartier, et quand il réussit à rentrer dans la boutique, il démagnétise toutes les cassettes.

Aidés d'une voisine, Alma, Mike et Jerry décident de retourner les films effacés avec une vieille caméra VHS. Contre toute attente, ces films obtiennent un succès immédiat, et on vient de partout pour louer à prix d'or les remakes de 20 minutes de "Ghost Busters", "Rush Hours 2", "2001 l'Odyssée de l'Espace" ou "Miss Daisy et son Chauffeur".

La critique : Un film réalisé par Michel Gondry sur des bidouilleurs qui bricolent des remakes avec tout un bric-à-brac de récupération, ça ressemble quand même furieusement à une mise en abyme : mettre en scène des nounours marchant dans la forêt, des trains en cartons, des studios en boîtes d'oeufs, c'est ce que l'ex-batteur de Oui-oui fait depuis plus de 15 ans dans ses clips, ses pubs, ses courts et ses longs métrages.

Pas étonnant donc que le meilleur de "Be Kind Rewind" (titre original beaucoup plus gondryesque que sa traduction littérale française) se trouve dans les films "suédés" - le duo explique à leurs clients que les films sont réalisés en Suéde, pays apparemment terriblement exotique pour les habitants de Passaic -, et dans le making off de leurs tournages. On assiste ainsi à toute la mise en boîte de leur premier film, "Ghost Busters", où les rayons ectoplasmiques sont figurés par des guirlandes de Noël, le fantôme glouton par un sac poubelle apparaissant et disparaissant à coup d'effets Mélies, et la ghostmobile par une 2 portes couverte de gaines VMC (qui rappellent le camion de Björk dans "Army of Me").

La même inventivité préside au reformatage cheap et digest de "Rush Hour 2" (Admirez le tapis-parcours de voitures de la chambre du gosse pour donner l'illusion de profondeur en dessous de Jerry suspendu dans un vide de 1,50 m), de "We were the Kings" (Admirez les gants de boxe en sacs poubelle) ou de "King Kong" (Autre mise en abyme, avec Jack Black jouant dans un remake du remake où jouait Jack Black).

Mais le plus beau film est sans doute celui que l'on voit dès le générique, et dont on suit la réalisation à la fin : la biographie arrangée de Fats Waller, du pur Gondry de la période clip, avec un noir et blanc comme dans "Cellphone's dead" pour Beck ou "Isobel" pour Björk, et des effets spéciaux home made comme la naissance de Fats ou le train qui l'emmène avec ses musiciens à New York. Ce film a été tourné réellement avec les habitants de Passaic (Michel Gondry raconte d'ailleurs que cela posait un problème vis-à-vis des règles syndicales, et que la seule façon de les faire jouer était de les déclarer en tant que danseurs), et  la fierté que l'on lit sur leur visage dans la scène finale a été captée alors qu'ils découvraient réellement le film.

Malheureusement, les différents suédages font partie d'une histoire, et le lien entre ces scènes ne convainc pas toujours, la faute sans doute à un problème de tonalité, et peut-être aussi de direction d'acteurs : parfaitement raccord quand il s'agit d'incarner Robocop ou Miss Daisy, le surjeu de Jack Black ne passe pas aussi bien, alourdi par quelques gags un peu patauds et par le QI de Mike et Jerry proche de celui des héros de "Dumb and Dumber".

Dommage, car la morale de cette fable ne peut que susciter l'adhésion : contre la logique des promoteurs immobiliers et celle des avocats d'Hollywood, représentés par Sigourney Weavers qui obtient l'écrasement des oeuvres suédés par un rouleau compresseur comme s'il s'agissait de vulgaires Rollex de contrefaçon, la riposte réside dans la mobilisation des gens et l'appel à leur créativité, comme l'atteste la fin digne de "la Vie est belle" (le vrai, celui de Frank Capra). Ce propos est souligné par la présence à l'écran de deux acteurs connus pour leurs engagements, Mia Farrow et Danny Glover.

Une nouvelle fois, Gondry situe ses personnages dans un refus de grandir, si grandir signifie abandonner les rêves de l'enfance, et si l'enfance ressemble à celles de Jacques Demy ou de Stieven Spielberg, tournant image par image leurs premières fictions avec la caméra super-8 de leurs parents. Comme dans "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" (et aussi un peu "La Science des Rêves"), il s'agit de lutter contre l'effacement de la mémoire, et la disparition de la diversité, symbolisée par les présentoirs des dévédéthèques n'exposant qu'un seul film.

Signalons enfin le site internet suédé, avec, comble de la mise en abyme, une bande-annonce elle même suédée où Michel Gondry joue tous les rôles !

Cluny

Film espagnol de Juan Antonio Bayona

Titre original : El Orfanato

Interprètes : Belen Rueda (Laura), Fernando Cayo (Carlos), Géraldine Chaplin (Aurora)



Durée : 1 h 46

Note :  5/10

En deux mots : Comment dit-on "déjà vu", en espagnol ?

Le réalisateur : Né à Barcelone en 1975, Juan Antonio Bayona a réalisé une trentaine de formats courts, publicités, clips et courts métrages. "L'Orphelinat" est son premier long métrage.

Le sujet : Laura a passé les première années de sa vie dans un orphelinat au bord de la mer dans les Asturies, au milieu d'enfants qu'elle aimait comme ses frères et soeurs, avant d'être adoptée à 7 ans. 30 ans plus tard, elle revient avec son mari Carlos et son fils adoptif Simon, qui est séropositif, dans l'orphelinat qu'elle a racheté dans l'intention d'y accueillir des enfants handicapés.

Avant d'emménager dans sa nouvelle demeure, Simon avait déjà des amis imaginaires, Watson et Peppe, aussi ses parents ne s'inquiètent pas trop quand au cours d'une promenade sur la plage, il prétend avoir rencontré de nouveaux amis. Laura met à la porte une vieille femme étrange qui prétend être une assistante sociale, qu'elle entraperçoit la nuit suivante en train de rôder dans une annexe de l'orphelinat. Simon devient bizarre et il révèle à Laura qu'il sait qu'il est malade et adopté.

La critique : Ayant vu les deux incontournables de la semaine avec le Gondry et l'Assayas, je me demandais quel troisième fim aller voir. Le traitement que Jean-Paul Salomé avait infligé à Belphégor et surtout à ce pauvre Arsène Lupin ne n'encourageant pas à voir "Les Femmes de l'Ombre", j'hésitais entre "Dead Girl" et "L'Orphelinat" : après tout, aujourd'hui l'Espagne occupe le devant de l'actualité, ce film en raflant 23 millions d'euros (les Espagnols font comme les Américains, ils comptabilisent les billets, pas les spectateurs) a fait un carton historique en tête du box office espagnol, vamos !

Une belle photographie, des mouvements de caméra sophistiqués (lent traveling avant depuis le téléphone où la directrice de l'orphelinat a annoncé le départ de la petite Laura jusqu'au jardin où jouent les enfants), des cadrages élégants (la découpe lumineuse de la plage dans le noir de la grotte), ça a l'air de démarrer plutôt bien, d'autant que le personnage de Simon et la relation voilée d'un inquiétude larvée qu'il a avec sa mère suscite la curiosité.

Mais assez vite, cette maîtrise formelle commence à devenir envahissante, tant elle est visible et prévisible : systématisme du traveling latéral sur un objet fixe pour donner l'illusion du mouvement, bruits étranges, craquements, respirations étouffées, musique lancinante puis stridente, nuages qui défilent en accéléré devant le globe solaire, traveling avant dans un couloir obscur vers une porte au verre dépoli, tout le bric-à-brac habituel du genre ne parvient pas à masquer le flou du scénario.

Comme "Le sixième Sens" et "Les Autres" ont placé la barre très haut, on sent que le réalisateur et son scénariste ont despérement cherché à faire plus et plus fort, mais le seul résultat est qu'on se perd et surtout qu'on se désintéresse de cette histoire d'esprits attirant progressivement Laura dans leur monde, à peine réveillés par l'apparition de Géraldine Chaplin dans une séance de spiritisme high-tech, comme une réplique tellurique de "Cria Cuervos".

Et puis, comme souvent avec les premiers films, les citations lassent à force d'être aussi voyantes : le "Shining" de Simon, le petit garçon qui voit les horreurs d'antan, les fantômes de "Les Innocents" de Jack Clayton, le manoir enténébré de "Les Autres", la cagoule d'"Elephant Man" pour dissimuler la monstruosité de Tomas, l'ombre de l'escalier descendant dans la cave de "La Nuit du Chasseur"... Mais "Les Autres" ou "Le Labyrinthe de Pan", réalisé par Guillermo del Toro qui a produit "L'Orphelinat", présentent une linéarité narrative qui manque cruellement au film de Bayona.

Quelques scènes laissent deviner le film gothique que "L'Orphelinat" aurait pu être avec moins de souci de complaire, comme la vision du visage à la Francis Bacon de Benigna agonisante, ou les références aux contes de l'enfance, précureseurs du fantastique : les coquillages du Petit Poucet ou la clé de Barbe-Bleue.

Outre d'une coincidence malheureuse avec l'actualité (pas sûr que cette histoire d'orphelinat d'où surgissent les fantômes d'enfants victimes fasse un tabac à Jersey), "L'Orphelinat" souffre d'un scénario trop alambiqué, d'une réalisation trop lisse et d'une absence d'originalité qui finit par lasser.

Cluny