Film français de Thomas Langmann

Interprètes : Clovis Cornillac (Astérix), Gérard Depardieu (Obélix), Benoît Poelvoorde (Brutus), Alain Delon (Jules César)



Durée : 1 h 53

Note : 2/10

En deux mots : Un budget pharaonique, une distribution internationale et des effets spéciaux, tout ça pour ressusciter Max Pécas.

Le réalisateur : Né en 1972 à Paris, Thomas Langmann est le frère de Julien Rassam, lui-même fils de Claude Berri.
 
Le sujet : Alafolix, habitant du village d'Astérix, est amoureux de la princesse grecque Irina, promise par son père au fils de César, Brutus. Le coeur de la belle penche pour le Gaulois, et afin de repousser Brutus, elle annonce qu'elle accordera son coeur au vainqueur des Jeux Olympiques. Brutus, qui complote pour éliminer César, demande à représenter Rome à ces Jeux, alors qu'Astérix, accompagné d'Obélix et de Panoramix, escorte Alafolix pour lui permettre de remporter le défi.

La critique : Cluny s'est interrogé. Doit-il suivre son intuition, se référer à la B-A affligeante et à la promotion franchouillarde, faire confiance à la critique quasi-unamime qui descend en flammes le troisième opus des aventures cinématographiques du petit héros gaulois-gaulliste, et bouder ce naufrage annoncé ? Ou bien doit-il à ses fidèles lecteurs d'endurer ces 113 minutes pour leur offrir la perception clunysienne de cet objet promotionnel qu'il répugne à appeler un film ?  Cluny a choisi, il a accepté de se glisser dans une salle où d'emblée il s'est senti étranger, en l'entendant éclater de rire à la vision de Franck Dubosc en slip kangourou dans la bande-annonce de "Disco".

Par Toutatis ! Que m'arrive-t-il ? Serais-je victime du syndrome Alain Delon ?
Retour à la première personne, donc, pour narrer l'agacement et l'ennui que j'ai ressentis durant la projection. Agacement devant ce qu'il faut appeler de l'escroquerie cumulée à de la captation d'héritage : la plupart des spectateurs se presseront dans une des 815 salles en pensant voir la suite de "Astérix, Mission Cléopâtre". Las, au mieux, ils verront l'avatar d'"Astérix & Obélix contre César", premier épisode poussif de la saga signé de l'immortel auteur des "Bidasses en Folie", Claude Zidi.

L'avatar, car Thomas Langmann a tenté de reproduire les procédés qui avaient fonctionné avec Alain Chabat : prendre l'intrigue comme prétexte pour truffer le film de clins d'oeil à l'actualité avec l'esprit Canal (Jamel, Edouard Baer, les Robins des Bois, Chantal Lauby...). Sauf que l'esprit Canal sans Canal, ça donne une mécanique qui tourne à vide, et que ce faisant, il a perdu le peu de continuité narrative qu'il y avait dans le film de Zidi.

Thomas Langmann est avant tout un producteur, et "Astérix aux Jeux Olympiques" est un film de producteur : pour amortir un tel budget, il faut penser coproduction et distribution européenne. On a donc engagé un ressortissant par public visé : Vanessa Hessler pour l'Italie, Benoît Poelvoorde pour la Belgique, Michael Herbig et Michael Schumacher pour l'Allemagne, Santiago Segura pour l'Espagne, Stéphane Rousseau pour le Québec, Adriana Karembeu pour la Slovaquie et Alain Delon pour le Japon. On rajoute quelques "comiques" hexagonaux : Elie Semoun qui fait de l'Elie Semoun, Frank Dubosc qui fait du Franck Dubosc, Alexandre Astier qui fait du Kaamelot. Vous me direz, dans le 2, Jamel faisait du Jamel, et Edouard Baer de l'Edouard Baer. Certes. Mais eux, ils sont drôles.

Enfin, on complète le vide abyssal du scénario et des "gags" par un appel aux people : Zinedine Zidane, Amélie Mauresmo, Tony Parker, Jean Todt, Michael Schumacher, Dany Brillant et Francis Lalanne s'échappent des pages de Closer pour venir faire leurs cameos, dont l'accumulation achève de transformer ce film en une suite asmathique de sketchs pénibles, que tente de lier la musique de Frédéric Talgorn qui rendrait celle de John Williams presque étherée.

Je ne m'étendrai pas sur la pauvreté des gags. Il suffit de raconter un des premiers : Brutus sur son cheval veut impressionner les Grecs chez qui il vient d'arriver. Il appelle son aigle pour qu'il vienne se poser sur son gant de fauconnier, le rapace le percute et il tombe de cheval, sous les rires de ses légionnaires. Seulement voilà, les rires étaient sur l'écran, pas dans la salle (pourtant de bonne composition !).

Ce n'est un secret pour personne, le tournage s'est déroulé dans un climat délétère, et si Poelvoorde adopte un profil bas dans la promo en France ("Je ne dirai pas que je me suis fendu la gueule. Il ne faut pas mentir"), en Belgique il ne cache pas que que "ce tournage est une machine de guerre qui te lamine. Tes états d'âme, on s'en bat les couilles. En plus, il y avait une ambiance de merde." Je ne retrouve pas le texte d'une interview que j'ai vue récemment, où un des acteurs étrangers expliquait que le plus pénible était l'absence de maîtrise du tournage en vue de l'intégration des effets spéciaux, qui interviennent dans plus de mille plans.

L'utilisation de ces fameux trucages numériques me fait penser à ces gens qui viennent de découvrir un logiciel de P.A.O., et qui en superposant toutes les polices, tous les cliparts et tous les effets Wordart finissent par rendre leur mise en page indigeste. Le propre d'un FX réussi, c'est un peu comme pour le montage, c'est qu'on ne le remarque pas. Ici, on ne voit que ça, et cette absence de discrétion souligne encore plus le côté carton-pâte de l'ensemble.

Participer à l'échec d'"Astérix aux Jeux Olympiques" est un acte citoyen, un élément de régulation libérale. C'est se prémunir d'un possible Asterix 4, et libérer quelques centaines de salles pour y montrer de vrais films.

Ave moi, Cluny

Film américain de Matt Reeves

Interprètes : Michael Stahl-Davis (Rob Hawkins), Lizzy Caplan (Marlena), Jessica Lucas (Lily)



Durée : 1 h 30

Note : 7/10

En deux mots : Oussama Ben Laden est un reptile alien de 600 pieds de haut, et Sony l'a filmé.

Le réalisateur : Né en 1966 dans l'état de New-York, Matt Reeves a commencé à filmer sa famille à 8 ans. A 13 ans, il rencontre J.J. Abrams, futur producteur de "Lost" et de "Cloverfield", avec lequel il produit en 1998 la série "Felicity". Il réalise son premier long métrage en 1993, "Future Shock", suivi en 1996 de "Le Porteur de Cercueil".
 
Le sujet : Aidé de sa copine Lily, Jason organise une teuf surprise pour fêter le départ au Japon de son frère Rob. Il colle le camescope dans les mains de leur pote Hud, avec mission d'enregistrer les messages de tous les participants. Il s'en acquitte avec un manque de tact touchant, plus intéressé par la mystérieuse Marlena que par les héros de la fête, jusqu'à ce que survienne Beth, l'ex de Rob avec son nouveau chevalier servant. 

Après que Beth ait quitté la fête suite à un accès de jalousie de Rob, un tremblement secoue l'immeuble. Montés sur le toit, les convives aperçoivent une explosion au loin. En se précipitant dehors, ils voient atterrir la tête de la Satue de la Liberté : une créature monstrueuse attaque Manhattan.

La critique : Un building s'effondrant sur lui même, filmé entre deux immeubles. Un nuage de poussière et de débris blastant les New-Yorkais pris au piège. Des silhouettes hébétées couvertes de cendres surgissant d'un brouillard orangé. Une voix hors cadre répétant "Oh, my God !" : ça ne vous rappelle rien ? Aux protagonistes de la fête, certainement, puisque après les premiers signes d'alerte, on entend une voix s'interroger : "Encore une attaque terroriste ?". 

Le besoin d'exorciser les peurs profondes de l'Amérique ne date pas du 11 septembre, ni même de Pearl Harbour, puisque "King Kong" ouvrait une longue liste de films mettant en scène des cataclysmes frappant les villes américaines : "San Francisco", "Deep Impact", "The Day After", "Independance Day", "Armageddon" ou "Godzilla". Mais depuis 2001, les codes du genre ont évolué et intègrent les images incrustées dans la mémoire de tous les Terriens, que ce soit dans "La Guerre des Mondes" ou "Je suis une Légende". 

On peut d'ailleurs se demander si un tel film ne cherche pas à conjurer en même temps la peur et la mauvaise conscience, puisque ce sont des Humvees et des soldats en camouflage couleur sable qui se battent contre le monstre dans les rues de Manhattan au cours de scènes qui rappellent étrangement les images de la seconde bataille de Fallujah.

"Cloverfield" (étrange titre, puisqu'on voit plus un champ de ruines qu'un champ de trèfles !) ajoute au réalisme des scènes de destruction le modernisme de leur captation. On le sait, la particularité de ce film réside dans sa forme : après un noir, une mire, on voit apparaître un panneau US Departement of Defense, puis la mention Camera trouvée à Central Park suite à l'incident US-447. Le reste du film est la cassette DV trouvée dans ce caméscope, sans montage, avec donc les longueurs, les superpositions accidentelles et les raccords aléatoires qui rendent insupportables les films de vacances de Tonton Raoul, et qui ici, grâce à une écriture très futée, permettent de justifier flash-back et ellipses au nom d'une erreur de rembobinage.

Quand j'ai vu la B-A il y a quelques semaines, j'ai glissé à l'oreille de mon voisin : "C'est Godzilla filmé par le Projet Blair Witch" (J'avais omis "Alien", le monstre étant une version biologique des mines à sous munitions, puisqu'il essaime des arthropodes vindicatifs et toxiques). Je me suis alors demandé comment le film allait tenir la distance, et à quoi ça servait de mettre plein d'argent dans la destruction numérique de Big Apple  si c'était pour la restituer avec une mini-DV parkinsonienne.

La réussite du film repose justement sur les réponses à ces deux questions : en n'étirant pas le récit (un blockbuster d'1 h 30, ça devient rarissime de nos jours), en jouant des fonctions diverses du caméscope (de la mise au point automatique à la vision nocturne), et en parvenant à incruster une petite histoire dans la grande, il évite l'ennui. C'est ce que souhaitait J.J. Abrams, qui explique : "Une des choses importantes dans un film avec autant d'action est d'avoir des moments de coupures, pour renouer avec les personnages. Avoir des passages plus calmes est extrêmement important. Sans eux, vous regardez juste un jeu vidéo."

Mais surtout, la nature du support, une mini-DV prise en main par quelqu'un qui ne la connaît pas et qui court la moitié du temps, justifie que la menace soit presque perpétuellement hors champ, ou floue, ou juste signifiée par des effets secondaires, à l'exception notable du plan où la bébête fait une pause de quelques secondes dans son carnage pour s'intéresser aux hominidés vidéastes qui s'agitent à ses pieds. Placés au même niveau d'incompréhension que Hud et ses camarades de fuite, nous ne sauront d'ailleurs rien du monstre, à part ce qu'on peut deviner de son comportement erratique et que J.J. Abrams résume ainsi : "C'est un bébé. C'est un nouveau né. Il est confus, désorienté et de mauvaise humeur."

Dans la partie de la bande tournée un mois avant et que Hud n'a pas effacée, on voit Beth filmée à son réveil et qui proteste en disant "Je vois le plan, ça va finir sur internet ! " ; et bien non, ça n'a pas fini, mais ça a bien commencé sur la toile, puisque le finaud J.J. Abrams a joué du mystère autour du projet "01-18-08" pour créer un buzz sans précédent sur internet, proche du marketing viral : quelques images lâchées sur le web, le black-out sur toute autre information ont suscité une curiosité et une attente sur les forums et les blogs du monde entier.

On pardonnera quelques invraisemblances (le building à demi effondré sagement appuyé sur son voisin, la porte providentielle au milieu du tunnel au moment où nos héros se font boulotter par les tarentules géantes) ), et quelques lourdeurs du scénario (le sans-gêne de Hud qui se tape l'incruste au milieu des conflits sentimentaux ou l'abnégation de Lily qui suit -en talons aiguille !- Rob au coeur du champ de bataille pour aller sauver Beth), tant l'exploitation du principe a été déclinée avec intelligence et efficacité.

"Cloverfield" s'avère finalement bien moins cucul que "Godzilla" ("C'est la faute à Chirac si le saurien s'est réveillé") et beaucoup plus riche que "Le Projet Blair Witch" ("Enfer ! Trois brindilles ! On va mourir !") et offre surtout un spectacle haletant doublé d'une actualisation astucieuse du cinéma de Méliès. 

Cluny

Film germano-autrichien de Stefan Ruzowitzky

Titre original : Die Fälscher

Interprètes : Karl Markovics (Sally Sorowitsch), August Diehl (Adolf Burger), Devid Striesov (Friedrich Herzog)



Durée : 1 h 38

Note : 6,5/10

En deux mots : La Liste de Herzog : un groupe de déportés juifs est constitué pour fabriquer des fausses livres et des faux dollars ; intéressant, mais parfois un peu trop appuyé.

Le réalisateur : Né en 1961 à Vienne, Stefan Ruzowitzky suit des cours de théâtre et de cinéma en Autriche. Dans les années 80, il écrit des pièces radiophoniques pour la radio ORF. A partir de 1987, il tourne de publicités et des vidéos musicales. En 1996, il réalise son premier long métrgae, "Tempo". Il tourne ensuite "Les Héritiers", "Anatomie" et "Anatomie 2"

Le sujet : En 1936, le faussaire juif allemand Salomon "Sally" Sorowitsch est arrêté par l'inspecteur Herzog. Après de la prison, il est envoyé en 1939 dans le camp de concentration de Mauthausen. Cinq ans plus tard, il est transféré au camp de Sachsenhausen au sein d'une unité de faussaires, de graveurs et d'imprimeurs juifs qui, sous les ordres du Commandant Herzog, ont pour mission de fabriquer des livres sterling qui puissent tromper la Banque d'Angleterre.

Sorowitsch et ses hommes bénéficient de conditions particulières : de la nourriture en quantité suffisante, de bons lits, une douche hebdomadaire et même un repos dominical. Mais tous les SS n'approuvent pas la stratégie d'Herzog, et au sein des prisonniers, le débat s'installe pour savoir si la contrepartie de cette mansuétude n'est pas la prolongation du régime nazi.

La critique : Ours d'Or à Berlin, nommé aux Oscars dans la catégorie du meilleur film étranger, "Les Faussaires" qui s'inspire de faits réels, pose la question du prix de la survie : dans l'enfer concentrationnaire, éviter la mort en travaillant pour les nazis, est-ce collaborer ? Au sein de la petite communauté de toutes origines sociales et géographiques, et dont le seul point commun est d'être destiné à l'élimination en tant que Juifs, deux thèses s'affrontent, symbolisés par deux hommes : Burger et Sorowitsch.

Adolf Burger, qui se trouve être l'auteur du livre qui a inspiré le film, "L'Atelier du Diable", défend l'idée que si les SS les épargnent, c'est parce que leur travail représente une arme de guerre, et qu'il est de leur devoir de le saboter, quelqu'en soit le prix. Sally Sorowitsch, lui, proclamait déjà avant son arrestation "Les Juifs se font persécuter parce qu'ils ne savent pas s'adapter", maxime qui trouve un écho dans les paroles d'Herzog quand il le retrouve à Sachsenhausen : "Les Juifs comme toi, ça s'acclimate partout !". Quand il s'oppose à Burger, il lui lance : "Je n'ai pas honte d'être en vie, je ne ferai pas ce plaisir aux nazis" : pour lui, survivre, c'est déjà résister.

Investi par son talent de faussaire d'un position de cadre dans cette petite entreprise, Sally dépasse le chacun pour soi qui lui a permis de survivre cinq ans à Mauthausen en se sentant responsable de chacun des membres de son groupe. Et quand Burger met en danger le fragile équilibre qui leur permet d'être encore en vie, Sorowitsch refuse de le dénoncer au nom de son principe "On ne balance pas ses camarades", ainsi commenté par Burger : "L'honneur du taulard ?"

Du côté des bourreaux, il y a aussi deux attitudes : celle de Herzog, qui doit rendre des comptes au Reichfuhrer, et qui professe : "Je m'intéresse à l'encadrement, c'est l'avenir", justifiant les horreurs qui se déroulent derrière la cloison de bois de leur baraquement et dont les hurlements sont couverts par de la musique : "Je ne peux pas tous vous sauver", ces mêmes mots par lesquels Schindler exprimait son regret ; et celle du sous-officier Holst, frustré de ne pas pouvoir donner libre court à son sadisme et à sa haine raciste, et qui se venge dès qu'il le peut sur les déportés.

C'est la même opposition que l'on retrouve dans "Les Bienveillantes" entre Maximilien Aue et Adolf Eichman : la question d'un traitement moins inhumain ne se pose pas sur le plan de le morale, mais sur celui de l'efficacité, même si Herzog, dans une scène un brin too much où il reçoit Sorowitsch dans sa maison avec tasses de porcelaines et vieux cognac, explique qu'il ne bat pas ses enfants, car en matière d'éducation, il croit au pouvoir des mots.

L'ambiguité née de la communauté temporaire d'intérêts entre bourreaux et victimes éclate quand Herzog vient annoncer triomphalement que les billets, leurs billets, ont été certifiés authentiques par la Banque d'Angleterre, et qu'on voit de la fierté illuminer les visages des déportés plantés au garde à vous dans le froid, avant qu'il n'offre une table de ping-pong, récompense dérisoire et incongrue par ce qu'elle évoque de légèreté estivale au coeur de l'horreur. 

Progressivement, alors que s'approchent les armées alliées et que s'effondre le Reich millénaire, les statuts respectifs des prisonniers et de leurs geoliers  deviennent plus flous, la dépendance s'inversant imperceptiblement, tel ce passeport suisse salvateur que Herzog monnaie auprès de celui qu'il a arrêté. Et d'ailleurs, cet effet de miroir n'est-il pas souligné par les initiales de Sally Sorowitsch ?

La réalisation se veut assez distanciée, avec le choix du huis-clos qui, au-delà des raisons budgétaires, rend l'extérieur encore plus menaçant. Stefan Ruzowitzky oppose les couleurs chaudes de la liberté (Berlin 1936, Monte-Carlo 1945) aux teintes froides du Lager, avec un contraste dur qui souligne les nombreux clivages qui structurent le récit. Il y a quelques balourdises, comme la scène où Mme Herzog, maîtresse de maison reçoit le déporté comme si de rien n'était, ou encore le discours de Holst après qu'il ait exécuté Kolja, inutile et contradictoire avec le personnage, et le jeu appuyé des acteurs souligne trop pesamment le débat moral qui est le sujet du film.

A moitié réussi du point de vue cinématographique, "Les Faussaires" présente l'intérêt de faire découvrir un aspect oublié de la seconde guerre mondiale, et pour cause : Adolf Burger explique que "les Anglais ont interdit que l'on parle de toute cette affaire au procès de Nuremberg. L'économie britannique aurait fait faillite si cette affaire avait éclaté au grand jour après la guerre." Quant aux déportés, leur pensée est résumée par l'intention que l'un d'entre eux exprime à la libération du camp : "Partir d'ici et tout oublier".

Cluny