Film américain de Tony Gilroy

Interprètes : George Clooney (Michael Clayton), Tom Wilkinson (Arthur Edens), Sidney Pollack (Marty Bach)



Durée : 1 h 59

Note : 5/10

En deux mots : Polar confus, longuet et sans surprise.

Le réalisateur : Né à Manhattan, Tony Gilroy écrit son premier scénario en 1993, "Le Feu sur la Glace", pour Paul Michael Glaser. Il écrit ensuite les scénarii de "Dolores Clairbone" (1995), "L'Associé du Diable" (1997) ou de "L'échange" (2001). Il a aussi signé les scripts des trois films de la trilogie Jason Bourne.

Le sujet : Brillant avocat new-yorkais, Michael Clayton a accepté d'arrêter de plaider pour arranger par tous les moyens les ennuis des riches clients du cabinet pour lequel il travaille. Alors qu'il a besoin d'argent, il découvre que son ami Arthur, avocat dans le même cabinet, a monté un dossier contre U/North, un trust de la chimie client de leur cabinet, et qui a empoisonné de nombreux agriculteurs.

La critique : Une amie me disait il y a quelques temps qu'elle n'irait pas voir "Michael Clayton", car elle avait l'impression que toute l'histoire était contenue dans la bande-annonce. Elle avait raison, mais ce qu'elle ne pouvait pas deviner, c'est que le seul effet supplémentaire apporté par les presque 2 heures du film, c'était précisément la dilution artificielle de cette simplicité narrative.

Le film puzzle est à la mode, depuis "Amours Chiennes" ou "Traffic". Ce n'est d'ailleurs pas un hasard si, aux côtés de Sidney Pollack et d'Anthony Minghella, on retrouve Steven Soderbergh comme producteur délégué de "Michael Clayton". Le sujet, à savoir une class action de petits propriétaires ruraux contre une multinationale qui les a empoisonnés, avait tout pour séduire le plus jeune vainqueur d'une Palme d'Or : il l'avait traité dans "Erin Brockovich".

Mais tout oppose le combat de la nunuche sympathique jouée par Julia Roberts au polar emberlificoté de Gilroy. La clarté narrative, tout d'abord. Soderbergh, pourtant capable de construire des récits complexes, comme "Solaris" ou "The Good German", avait choisi la simplicité chronologique en plaçant le spectateur dans la même position que celle de son héroïne qui découvrait en même temps qu'eux les arcanes du dossier. 

Ici, au contraire, tout est fait pour opacifier artificiellement la compréhension du spectateur : flash-backs, présentation elliptique de fragments de l'intrigue, décalages fréquents entre les images et la bande-son. Les gens parlent par périphrases, citent des personnages non identifiés et des faits décontextualisés, et comme nous ne possédons pas tous un doctorat en droit comparé, on achève de se perdre au petit jeu de qui est qui.

Et comme tout serait encore trop simple comme ça, on nous balance la vie privée de Michael sur le même mode, et on est drôlement embêté que Timy ait piqué les quatre pneus Michelin de Stéphanie, même si on ne comprend pas trop pourquoi cela met tant en colère notre héros.

L'effet de cet embrouillamini ne se fait pas attendre : on s'ennuie vite, et ferme. Quand les explications arrivent enfin, c'est surtout l'impression de mille fois déjà-vu qui prédomine, jusqu'au coup de théâtre final paresseux. Certains critiques ont évoqué "Syriana", et c'est assez juste : les mêmes causes (la déstructuration artificielle du récit) produisent les mêmes effets (le désintérêt progressif).

La comparaison avec "Erin Brockovich" ne se limite pas à cet aspect, puisque la photographie du film de Soderbergh était baignée de lumières chaudes, alors que dans "Michael Clayton" prédomine une image blafarde et bleutée, à l'unisson du jeu mono-expressif de George Clooney, tout en oeil sombre et en crispation de mâchoires.

Le propos politiquement correct (empoisonner les gens, c'est pas bien, chercher à faire de l'argent à tout prix non plus) ne suffit pas à compenser la mollesse dépressive de l'ensemble et à distinguer "Michael Clayton" du tout-venant de la production américaine.

Cluny

Film britannique de Shane Meadows

Interprètes : Thomas Turgoose (Shaun), Stephen Graham (Combo), Jo Hartley (Cynth)



Durée : 1 h 37

Note : 6/10

En deux mots : L'endoctrinnement skinhead d'un orphelin des Malouines. Tendu, dérangeant et intéressant à la fois.

Le réalisateur : Né en dans le Stadfordshire en 1972, Shane Meadows a tourné la plupart de ses films dans la région de Nottingham. Il a réalisé "Twenty Four Seven" en 1996, et "Room for Romeo Brass" en 1997, deux films inspirés de sa jeunesse. Il tourne ensuite "Once Upon a Time in the Midlands" en 2002, et "Dead Man's Shoes" en 2004.

Le sujet : Shaun a 12 ans en 1983 ; il vient de perdre son père, soldat tué aux Malouines, et de déménager. A la veille des vacances, il en a assez des moqueries de ses condisciples et des brimades dont il est l'objet. Il rencontre une bande de skinheads qui l'adoptent et l'entraînent dans des fêtes, et lui font découvrir les filles, l'alcool et les Doc Martins.
Mais l'arrivée de Combo, un skin plus âgé qui sort de prison divise la bande. Séduit par le discours ultra-nationaliste du nouveau venu, Shaun décide de le suivre.

La critique : Le film s'ouvre sur un montage d'images d'archives vidéo qui défilent pêle-mêle sur "54 46 was my number" de Toots & the Maytals : Pacman, Thatcher, le Rubik's cube, la grève des mineurs, Lady Di, les émeutes de Notting Hill, K2000 et la guerre des Malouines. Ce téléscopage d'images à la fois proches et déjà terriblement démodées annoncent la tension et la violence sous-jacente qui vont traverser le film : violence sociale du chomage et des grandes luttes anti-thatcheriennes, violence de cette guerre dérisoire pour quelques moutons dans l'Atlantique-Sud, avec la vision presque subliminale d'un soldat sur un brancard, la jambe arrachée, violence des institutions qui pratiquaient encore le châtiment corporel dans les écoles, violence du discours des skinheads et du National Front.

Le propos de Shane Meadows, qui a été lui-même skinhead à 12 ans, est clair dès le début du film : c'est la détresse affective qui pousse ces gamins à la haine et à la violence. C'est cette absence insupportable du père qui conduit Shaun à retrouver une famille dans la bande des skins, et c'est la jalousie de voir un Jamaïcain bénéficier d'une vie de famille équilibré qui amène Combo à massacrer Milky, bien plus que l'idéologie raciste.

Le désoeuvrement, la peur de l'autre et la musique ska semblent les seuls ciments de cette bande hétéroclite, avec des skins malingres, des hercules de foire, et des adolescentes aux coupes improbables. Cela, et une incapacité à rentrer dans le monde adulte : ils se déguisent, se délectent à tout casser dans une maison abandonnée et à un sauter dans les flaques d'eau, ils font la bombe à la piscine et se passionnent pour un jeu playskool. 

Le caractère autobiographique du film conduit à un certain manichéisme : comme pour les chasseurs, il y aurait les bons skins et les mauvais skins. Les bons seraient tolérants et multiéthniques, gentiment déconneurs, et ils feraient même convenablement fonction de garde d'enfants, à tel point que la mère de Shaun leur confie son fils, ne leur reprochant qu'une coupe à la tondeuse un peu hâtive. Les mauvais seraient pollués par une idéologie exogène représentée par l'orateur du National Front.

Film étrange que ce "This is England", à la fois proche dans son propos et très différent dans son traitement de "Hooligans". Ce dernier souffrait d'un scénario beaucoup trop attendu ; à l'inverse, le film de Shane Meadows semble progressivement déraper à l'unisson des délires cyclothymiques de Combo, avec des passages plutôt bien vus comme le jeu de chaises musicales au sein de la bande pour le rôle de tête de turc, et d'autres franchement ridicules comme le flirt de Shaun et de Smell, une grande gigue maquillée comme Kimera.

Le film repose sur Thomas Turgoose qui joue Shaun, constamment à l'écran. Repéré au cours d'un casting sauvage dans un club de jeunes d'un quartier défavorisé, il incarne parfaitement le mélange de dureté et d'innocence de son personnage. Les autres acteurs ne sont pas mal non plus, notamment Stephen Graham qui compose un personnage qu'on aurait pu croiser dans "A Very british Gangster".

Cluny

Film chinois de Liu Jie

Titre original : Mabei shang de fating/Courthouse on Horseback

Interprètes : Li Baotian (Le Juge Feng), Lu Yuali (Ah-Luo), Yang Ya Ning (Yang)



Durée : 1 h 41

Note : 6,5/10

En deux mots : Les tribulations d'un juge chinois dans la montagne chinoise ; intéressant, mais un peu indolent.

Le réalisateur : Né en 1967, Liu Jie a étudié la photograhie à l'Académie du Cinéma de Pékin. Il est ensuite producteur et directeur de la photographie, notamment pour "Beijing Bicycle". "Le Dernier Voyage du Juge Feng" est son premier film.

Le sujet : Le Juge Feng est proche de la retraite. Depuis trente ans, il sillonne à pied la montagne du Yunnan, au sud ouest de la Chine, avec son tribunal mobile. Il est accompagné de sa greffière, Yang, qui vient d'apprendre qu'elle est mise à la retraite et qui ne fera pas le voyage retour, puisqu'elle est originaire d'un village de la région. Il y a aussi le jeune juge Ah-Luo tout juste sorti de l'école, et qui va chercher la mariage au bout du voyage.

Ah-Luo confronte son dogmatisme au pragmatisme du vieux juge, qui connaît les coutumes et les moeurs de ces minorités ethniques qui se soumettent bien plus à la sagesse de Leng qu'à la loi de la répubique populaire.

La critique : Le Juge Feng est bien différent de son illustre prédécesseur, le Juge Ti. Pour lui, pas de meurtres dans les alcôves de la Cité Interdite ni d'énigme de corps sans tête à résoudre. Non, juste des affaires de belles-soeurs se disputant un pot à conserve ou de cochon ayant déterré l'urne d'un ancêtre. Comme un épicier itinérant au fin fond de la Corrèze, il fait sa tournée dans des villages de montagne portant les noms poétiques de "Tête de Coq" ou "Queue de Coq", et peuplés d'ethnies minoritaires, les Yi et les Moso, ces derniers présentant la particularité de vivre sous le système du matriarcat ; il y rend la justice sur des pupitres d'écoliers et sous l'emblème de la République Populaire, transporté à dos de cheval.

Il existe en Chine près d'un millier de cours ambulantes de ce type, et Liu Jie a suivi les tournées de trois juges différents. Pour lui, "l'emblème national véhiculé par le cheval est le reflet exact du système judiciaire local, tressautant sur une route en construction". "Le Dernier Voyage du Juge Feng" aborde le même sujet que "Still Life" ou "Le mariage de Tuya", à savoir le choc de l'irruption de la modernité dans des sociétés traditionnelles. Ici, la modernité est représenté par le personnage du jeune juge, à la fois du point de vue politique (en bon communiste laïque, il s'indigne que Feng inclut une offrande au temple dans sa sentence) que technologique (il trimballe un téléviseur et sa parabole sur le bât du pauvre cheval pour les donner comme cadeau à son futur beau-père).

Sa première sentence se révèle catastrophique, et il faut toute la rouerie du vieux juge pour éviter que l'opposition entre les deux parties ne dégénère en vendetta sanglante. Car depuis longtemps, le juge Feng a su mâtiner le droit national de coutumes locales et surtout d'initiatives personnelles, allant du jugement de Salomon à son implication personnelle dans l'exécution de ses décisions, notamment en allant chercher lui même le cochon-dommages et intérêts, au scandale d'Ah-Luo qui n'y voit que la perte de la dignité nécessaire à l'exercice de leur fonction.

Premier voyage pour le jeune magistrat, cette tournée est la dernière pour la greffière Yang qui se fait signifier dès le premier plan sa mise à la retraite anticipée au nom de la professionnalisation de la justice, elle qui a été recrutée 25 ans plus tôt au nom des quotas ethniques. A la fois la complice et la conscience du vieux juge, elle qui est issue de l'ethnie moso s'occupe des médiations entre plaignantes ; et quand elle abandonne l'austère uniforme pour la robe traditionnelle, elle surprend le regard de Feng qui semble découvrir que sa collègue est une femme, un peu comme Ron découvrant qu'Hermione est une fille la veille du bal de Noël.

La description de ces relations entre Feng et Yang est bien plus intéressante que celle des rapports entre le novice et l'aîné, beaucoup trop convenue ; et l'évolution d'Ah-Luo ne change rien à ce sentiment d'artifice, au contraire. Le choix de Liu Jie de faire appel à des acteurs non-professionnels (à l'exception des deux juges) n'est pas toujours très heureux, et cette impression d'amateurisme est renforcée par un montage un peu apathique et rythme plutôt languissant.

Néanmoins, "Le Dernier Voyage du Juge Feng" (qui est, rappelons-le, un premier film), nous permet de découvrir un aspect peu connu d'une Chine souvent réduite à son expansion économique. Avec humour et sensiblité, Liu Jie confirme l'émergence d'une nouvelle génération de réalisateurs chinois qui préfèrent traiter de la réalité contemporaine de leur pays plutôt que de passer par la métaphore historique.

Cluny