Film français de Thomas Langmann

Interprètes : Clovis Cornillac (Astérix), Gérard Depardieu (Obélix), Benoît Poelvoorde (Brutus), Alain Delon (Jules César)



Durée : 1 h 53

Note : 2/10

En deux mots : Un budget pharaonique, une distribution internationale et des effets spéciaux, tout ça pour ressusciter Max Pécas.

Le réalisateur : Né en 1972 à Paris, Thomas Langmann est le frère de Julien Rassam, lui-même fils de Claude Berri.
 
Le sujet : Alafolix, habitant du village d'Astérix, est amoureux de la princesse grecque Irina, promise par son père au fils de César, Brutus. Le coeur de la belle penche pour le Gaulois, et afin de repousser Brutus, elle annonce qu'elle accordera son coeur au vainqueur des Jeux Olympiques. Brutus, qui complote pour éliminer César, demande à représenter Rome à ces Jeux, alors qu'Astérix, accompagné d'Obélix et de Panoramix, escorte Alafolix pour lui permettre de remporter le défi.

La critique : Cluny s'est interrogé. Doit-il suivre son intuition, se référer à la B-A affligeante et à la promotion franchouillarde, faire confiance à la critique quasi-unamime qui descend en flammes le troisième opus des aventures cinématographiques du petit héros gaulois-gaulliste, et bouder ce naufrage annoncé ? Ou bien doit-il à ses fidèles lecteurs d'endurer ces 113 minutes pour leur offrir la perception clunysienne de cet objet promotionnel qu'il répugne à appeler un film ?  Cluny a choisi, il a accepté de se glisser dans une salle où d'emblée il s'est senti étranger, en l'entendant éclater de rire à la vision de Franck Dubosc en slip kangourou dans la bande-annonce de "Disco".

Par Toutatis ! Que m'arrive-t-il ? Serais-je victime du syndrome Alain Delon ?
Retour à la première personne, donc, pour narrer l'agacement et l'ennui que j'ai ressentis durant la projection. Agacement devant ce qu'il faut appeler de l'escroquerie cumulée à de la captation d'héritage : la plupart des spectateurs se presseront dans une des 815 salles en pensant voir la suite de "Astérix, Mission Cléopâtre". Las, au mieux, ils verront l'avatar d'"Astérix & Obélix contre César", premier épisode poussif de la saga signé de l'immortel auteur des "Bidasses en Folie", Claude Zidi.

L'avatar, car Thomas Langmann a tenté de reproduire les procédés qui avaient fonctionné avec Alain Chabat : prendre l'intrigue comme prétexte pour truffer le film de clins d'oeil à l'actualité avec l'esprit Canal (Jamel, Edouard Baer, les Robins des Bois, Chantal Lauby...). Sauf que l'esprit Canal sans Canal, ça donne une mécanique qui tourne à vide, et que ce faisant, il a perdu le peu de continuité narrative qu'il y avait dans le film de Zidi.

Thomas Langmann est avant tout un producteur, et "Astérix aux Jeux Olympiques" est un film de producteur : pour amortir un tel budget, il faut penser coproduction et distribution européenne. On a donc engagé un ressortissant par public visé : Vanessa Hessler pour l'Italie, Benoît Poelvoorde pour la Belgique, Michael Herbig et Michael Schumacher pour l'Allemagne, Santiago Segura pour l'Espagne, Stéphane Rousseau pour le Québec, Adriana Karembeu pour la Slovaquie et Alain Delon pour le Japon. On rajoute quelques "comiques" hexagonaux : Elie Semoun qui fait de l'Elie Semoun, Frank Dubosc qui fait du Franck Dubosc, Alexandre Astier qui fait du Kaamelot. Vous me direz, dans le 2, Jamel faisait du Jamel, et Edouard Baer de l'Edouard Baer. Certes. Mais eux, ils sont drôles.

Enfin, on complète le vide abyssal du scénario et des "gags" par un appel aux people : Zinedine Zidane, Amélie Mauresmo, Tony Parker, Jean Todt, Michael Schumacher, Dany Brillant et Francis Lalanne s'échappent des pages de Closer pour venir faire leurs cameos, dont l'accumulation achève de transformer ce film en une suite asmathique de sketchs pénibles, que tente de lier la musique de Frédéric Talgorn qui rendrait celle de John Williams presque étherée.

Je ne m'étendrai pas sur la pauvreté des gags. Il suffit de raconter un des premiers : Brutus sur son cheval veut impressionner les Grecs chez qui il vient d'arriver. Il appelle son aigle pour qu'il vienne se poser sur son gant de fauconnier, le rapace le percute et il tombe de cheval, sous les rires de ses légionnaires. Seulement voilà, les rires étaient sur l'écran, pas dans la salle (pourtant de bonne composition !).

Ce n'est un secret pour personne, le tournage s'est déroulé dans un climat délétère, et si Poelvoorde adopte un profil bas dans la promo en France ("Je ne dirai pas que je me suis fendu la gueule. Il ne faut pas mentir"), en Belgique il ne cache pas que que "ce tournage est une machine de guerre qui te lamine. Tes états d'âme, on s'en bat les couilles. En plus, il y avait une ambiance de merde." Je ne retrouve pas le texte d'une interview que j'ai vue récemment, où un des acteurs étrangers expliquait que le plus pénible était l'absence de maîtrise du tournage en vue de l'intégration des effets spéciaux, qui interviennent dans plus de mille plans.

L'utilisation de ces fameux trucages numériques me fait penser à ces gens qui viennent de découvrir un logiciel de P.A.O., et qui en superposant toutes les polices, tous les cliparts et tous les effets Wordart finissent par rendre leur mise en page indigeste. Le propre d'un FX réussi, c'est un peu comme pour le montage, c'est qu'on ne le remarque pas. Ici, on ne voit que ça, et cette absence de discrétion souligne encore plus le côté carton-pâte de l'ensemble.

Participer à l'échec d'"Astérix aux Jeux Olympiques" est un acte citoyen, un élément de régulation libérale. C'est se prémunir d'un possible Asterix 4, et libérer quelques centaines de salles pour y montrer de vrais films.

Ave moi, Cluny

Film américain de Joel et Ethan Coen

Titre français : Non, ce pays n'est pas fait pour le vieil homme

Interprètes : Tommy Lee Jones (Shérif Bell), Javier Bardem (Anton Chigurh), Josh Brolin (Llewelyn Moss), Woody Harelson (Carson Wellsrd)



Durée : 2 h 02

Note : 8,5/10

En deux mots : Brillante adaptation du roman de Cormac McCarthy, labyrinthique et décalée, avec un Javier Bardem d'anthologie.

Le réalisateur : Nés à Minneapolis en 1953 pour Joel et en 1957 pour Ethan, les frères Coen réalisent leur premier film en 1984, "Sang pour Sang", suivi en 1987 d'"Arizona Junior" et en 1991 de "Miller's Crossing". "Barton Fink" reçoit la palme d'Or au Festival de Cannes en 1991. Puis viennent "Le Grand Saut" (1994), "Fargo" (1996), "The Big Lebovski" (1998), "O'Brother" (2000), "The Barber" (2001), "Intolérable Cruauté" (2003) et "Ladykillers" (2004).

Le sujet : Texas, 1980. Llewelyn Moss chasse l'antilope dans le désert, quand il tombe sur des pick-ups abandonnés, cernés des cadavres ensanglantés de traficants de drogue mexicains. Il trouve alors une sacoche contenant 2 millions de $. Quand il revient sur la scène de crime, il est accueilli par des tueurs auxquels il échappe de justesse. Mais il ne sait pas encore que ce n'est rien à côté du tueur psychopathe qui le suit dorénavant à la trace, Anton Chigurh. Quant au shérif Bell, il comprend que la traque du tueur passera par la femme de Moss.

La critique : Alléluiah, la même semaine nous offre les retours de Tim Burton et des frères Coen. Après des escapades vers les douceurs chocolatées ("Big Fish" et "Charlie" pour le premier, "Intolérable Cruauté" et "Ladykillers" pour les seconds"), nous retrouvons l'un et les autres dans leur quintessence. Certes, il y avait bien quelques cadavres balancés du haut d'un pont dans "Ladykillers", mais on était évidemment dans le registre de la farce et de la légèreté.

"No Country for Old Men" ne pointe clairement pas dans cette catégorie. Non qu'on n'y retrouve pas le comique de situation, et surtout le comique de mots dans des dialogues étirés jusqu'à l'absurde, chers aux frangins de Minneapolis ; mais la tension de la mise en scène fait écho au style de Cormac McCarthy, mélange du  phrasé de la Bible, du parler des analphabètes et de puissance narrative des prosateurs américains.

Les fères Coen eux-mêmes soulignent la noirceur et la violence de l'histoire, comme l'explique Joel : "Il y a pas mal d'humour dans le livre, même si on ne peut pas franchement le qualifier de roman humoristique. C'est un humour très noir - et c'est la caractéristique qui nous définit. Le livre est également violent, presque sanglant. C'est certainement d'ailleurs le film le plus violent que nous ayons jamais fait." 

Dans une autre interview, ils expliquent que ce qui les avait aussi attirés dans ce roman, c'était le fait que les trois personnages principaux qui se traquent mutuellement ne se rencontrent quasiment jamais, et le rendez-vous final entre Moss et Chigurh ne nous est pas montré, puisque dans la dernière partie, le récit bascule du point de vue du troisième protagoniste. Le style des frères Coen, fait de ralentissements, d'étirement puis de soudaines accélérations, d'alternances de longues scènes de bavardages saugrenus, de brusques explosions et d'ellipses déroutantes s'adapte particulièrement bien à un tel propos.

Un homme trouve une fortune issue du trafic de drogue, il est poursuivi par des Mexicains, puis par un tueur qui élimine ses deux commanditaires, tueur lui-même pisté par un sosie de Michael Schumacher envoyé par un magnat texan, alors que le shérif du lieu du carnage se met sur la piste de ce beau monde : ce résumé est à l'image de l'histoire elle-même, embrouillée et tarabiscotée, et ça n'a aucune importance, puisque la sacoche est un McGuffin, et chaque personnage une incarnation de ce monde qui change dans les années 80.

Josh Brolin incarne Llewelyn Moss, le mec droit dans ses bottes de cowboys (elles jouent d'ailleurs un rôle important) qu'une erreur, ou plutôt deux : celle, morale, d'avoir pris l'argent et celle, prépondérante, d'avoir éprouvé de la pitié pour le seul survivant du carnage, précipitent dans une fuite de motel minable en hôtel décati, mû d'abord par l'appât du gain puis par l'instinct de survie.

Tommy Lee Jone retrouve la frontière Mexicaine de "Trois Enterrements", et un nouveau personnage eastwoodien, mais avec moins de prise sur le destin et encore plus de désenchantement devant la violence quasi technocratique et aveugle qui s'empare du monde.

Cette violence a un visage, celui de Javier Bardem. Dans la catégorie tueur psychopathe, Jude Law avait placé la barre très haut dans "Les Sentiers de la Perdition", avec son personnage tonsuré coiffé d'un chapeau melon trop étroit et qui avait choisi comme couverture la photographie des scènes de crimes. Dorénavant, il faudra faire référence à la performance de Javier Bardem, avec sa coiffure à la Mireille Mathieu, son goût pour le lait et sa bouteille d'air comprimé pour faire sauter les serrures et les crânes. Effrayant quand il tue (il semble en transe quand il étrangle le policier qui l'a arrêté), il est peut-être encore plus inquiétant quand il parle, notamment dans la longue scène où il joue la vie d'un pauvre pompiste à pile ou face.

Cormac McCarthy a expliqué aux frères Coen qu'il avait choisi le nom de Chigurh parce qu'il n'existe nulle part, afin de souligner l'absence d'origine du personnage. Destructeur et indestructible, Anton Chigurh oeuvre pour que le vieil homme du titre que "ce pays est dur à vivre".

Tout à la fois western, polar et road movie, "No Country for Old Men" est certainement le meilleur film des frères Coen depuis "The Big Lebovski", plus sombre et plus grave que ce dernier, tout en suscitant le même rire grinçant. Un bon Ken Loach, un très bon Burton et un excellent frères Coen, l'année 2008 démarre décidément fort bien !

Cluny

Film américano-taïwanais de Ang Lee

Interprètes : Tonny Leung Chiu Wai (M. Yee), Tang Wei (Wong Chia Chi), Jaon Chen (Mme Yee), Leehom Wang (Kuang Yumin)



Durée : 2 h 38

Note : 7/10

En deux mots : "Lacombe Lucien" mixé de "Portier de Nuit" au pays de "l'Empire des Sens" : le retour en Asie réussi pour Ang Lee.

Le réalisateur : Né en 1954 à Taïwan, Ang Lee étudie le théâtre avant de s'installer aux Etats-Unis en 1978 et de suivre des études de cinéma à New York. Il réalise son premier film en 1992, "Tui Shou", premier volet d'une trilogie chinoise dont le second, "Garçon d'Honneur", obtient l'Ours d'Or à Berlin en 1993 (Le troisième volet est "Salé sucré" en 1994). Il change radicalement de sujet en 1995 avec "Raison et sentiments" inspiré de Jane Austen et qui décroche l'Oscar du meilleur scénario, signé par Emma Thompson et à nouveau l'Ours d'or à Berlin.
Après "The Ice Storm" en 1997, il s'attaque au western en 1999 avec "Chevauchée avec le Diable", au wuxua en 2000 avec "Tigres et Dragons" et au film de superhéros en 2003 avec "Hulk". En 2005, "Le Secret de Brokeback Mountain" obtient le Lion d'or à Venise et l'Oscar du meilleur réalisateur.

Le sujet : Wong Chia Chi est une jeune étudiante de Shangai réfugiée à Hong Kong à cause de l'invasion japonaise. Elle suit son amie dans une troupe de théâtre étudiant qui monte des pièces patriotiques. Quand Kuang le metteur en scène propose à la troupe de passer à la résistance active, et de tuer M. Yee, un dirigeant du parti projaponais, tous acceptent. Se faisant passer pour une riche épouse désoeuvrée, Wong réussit à gagner l'amitié de Mme Yee. Quand elle est est prête à fixer à M. Yee le rendez-vous où il sera exécuté, le couple Yee quitte brusquement Hong Kong, et les étudiants démasqués par celui qui leur a permis de rencontrer M. Yee doivent l'assassiner.
Trois ans plus tard, Wong a repris ses études à Shangai et ne s'est pas remis de cette histoire. Mais quand elle rencontre Kuang et que celui-ci lui apprend que M. Yee est devenu ministre du gouvernement collaborateur, elle accepte de reprendre sa mission.

La critique : Difficile de parler de "Lust, Caution" sans faire référence à la scène finale, ou plutôt à la seconde qui déclenche en cascade toute la fin du film, et qui donne sa perspective à l'histoire. Car si de chassés-croisés en faux rendez-vous, de manoeuvres d'approche en esquives, on sait que la rencontre entre la jeune étudiante idéaliste et le tortionnaire qu'elle doit attirer dans un piège mortel aura inéluctablement lieu, on ne peut prédire si la naissance d'un sentiment ambigu de passion chez l'un comme chez l'autre débouchera sur une autre fin que celle annoncée dès la naissance du complot à Hong Kong.

Ang Lee joue du tempo avec maestria, et réussit ainsi à justifier la longueur du film. Le long flash back qui constitue 80 % du film commence avec l'exil à Hong Kong, la naissance de l'amitié entre les cinq étudiants autour du projet théâtral ; Ang Lee explique en parlant de l'auteure du livre dont est tiré les scénario (et qui avait déjà signé "Fleurs de Shangaï") : "Eileen Chang décrit la violente émotion ressentie par Wong Chia Chi, alors toute jeune étudiante, après avoir joué sur scène pour la première fois ; sa difficulté à la calmer, même après un souper avec ses amis du théâtre et une promenade. En lisant cela, mon esprit m'a brusquement ramené à ma première expérience sur scène, en 1973 à l'Académie des Arts de Taipei. La même énergie à la fin de la pièce dans laquelle je jouais." Cette réminiscence explique la force de cette scène, qui révèle Wong à elle même et qui sans que les membres de la troupe ne le sachent encore, la désigne comme la seule actrice possible pour le rôle oh combien dangereux de Mme Mak.

Puis vient la première rencontre dans la colonie britannique avec M. Yee, les parties de mah-jong avec Mme Yee et le  rendez-vous annoncé qui oblige Wong à un premier sacrifice qui se révèle dérisoirement inutile par un de ses tours du destin qu'affectionne Ang Lee. La période de Hong Kong se termine par le meurtre de Tsao, qui annonce les scènes érotiques entre Wong et M. Yee, puisqu'on peut appliquer à Ang Lee ce que Truffaut disait de Hitchcock, à savoir qu'il filmait les scènes d'amour comme des scènes de meurtre, et les scènes de meurtre comme des scène d'amour. Ce n'est d'ailleurs sans doute pas un hasard si le film à l'affiche d'un des cinémas de Shangai où se rend Wong est justement "Soupçons" de Sir Alfred.

Partie en courant de la scène du carnage, Wong se réfugie à Shangai, où elle cherche à oublier et à se faire oublier, retrouvant la coiffure discrète, le visage sans maquillage et les vêtements simples de sa période étudiante ; Ang Lee continue à jouer du code théâtral, opposant la simplicité adolescente de Wong et le personnage costumé, coiffé et maquillé comme une actrice de Mme Mak, et que M. Yee traitre si brutalement lors de leur premier rapport sexuel. Cette opposition des apparences fait écho au conflit interne entre la jeune patriote et la femme amoureuse, conflit qui la bouleverse et la met encore plus en danger, et qui s'oppose aux certitudes désanchantée de M. Yee, qui commence à prévoir l'issue de la guerre mais qui ne voit pas d'autre voie que celle d'un répresion toujours plus barbare.

Tony Leung Chiu Wai (à ne pas confondre avec Tony Leung Ka Fai, vu notamment dans "L'Amant", "Election" et "Filatures") est dans le contre-emploi par rapport à ses personnages chez Wong Kar Wai, campant un notable policé dont on sent d'emblée que la violence peut surgir à tous moments. Rodrigo Prieto, le chef opérateur fidèle d'Ang Lee a d'ailleurs choisi de souligner cette folie rentrée en faisant se réfléter la lumière d'ampoules de Noël dans les yeux de M. Yee, afin d'évoquer le rougeoiement d'un tisonnier !

L'ex-mannequin Tang Wei débute au cinéma sous les traits de Wong, et si ses superbes toilettes rappellent parfois celle de Mme Chan 20 ans plus tard, elle a beaucoup plus à dévoiler (au propre comme au figuré) que Maggie Cheung et se sort vraiment bien de ce rôle si complexe et si physique, sachant aussi suggérer beaucoup dans un jeu minimaliste, comme lors de la scène si douloureuse de sa défloraison.

Ang Lee, "faux Chinois à Taïwan qui vit en étranger aux Etats-Unis" tel qu'il se présente, a visiblement investi autant dans ces personnages piégés dans de funestes faux-semblants, qu'il l'avait fait dans ces cowboys condamnés à cacher leur amour, et qui au delà des décalages historiques et culturels, partagent avec lui la difficulté d'affirmer une identité si complexe.

Cluny