Note : 6/10
En deux mots : Se voulant à la fois comédie romantique et conte philosophique, « Angel-A » est l’histoire de quelqu'un qui ne s'aime pas et qui va apprendre à s'aimer avec l’aide d’un ange. Malgré une très belle photographie et un talent de réalisation indéniable, la mayonnaise ne prend pas.

Le Réalisateur : Né en 1959, Luc Besson réalise son premier film en 1983, « Le dernier combat ». Il rencontre un premier succès avec « Sub way » en 1985. « Le Grand Bleu » (1988) est vu par 9 millions de spectateurs, et devient le film d’une génération. Il enchaîne d’autres succès : « Nikita » (1990), « Léon » (1994), « Le cinquième élément » (1997) et « Jeanne d’Arc » (1999).
Il devient aussi producteur de films grand public : la série des « Taxi », « Le baiser mortel du dragon », « Banlieue 13 », mais aussi des films d’auteurs, comme « Trois enterrements », de Tommy Lee Jones ou « Ne pas avaler », de Gary Oldman.
Luc Besson a toujours dit qu’il ne tournerait que dix films. Comme il a déjà fini le tournage de «Arthur et les minimoys » (Sortie prévue fin 2006), "Angel-A" devrait être son dixième et dernier film.

La critique : André est un petit escroc mythomane et malheureux. Ayant gagné une green card à la loterie, il se dit américain, prétend avoir un duplex à New York et des affaires en Argentine, mais c’est bien Paris qu’il arpente pour échapper aux petites frappes et aux gros durs qui veulent lui faire rembourser ses dettes.

Au moment où il s’apprête à se jeter dans la Seine, une grande pétasse blonde (c’est dans le scénario !) saute avant lui, et par réflexe, il la sauve. Elle lui promet alors de faire tout ce qu’il lui demandera.

Elle s’appelle Angela, et l’on va vite découvrir que cela peut aussi s’écrire comme le titre du film : Angel-A. Elle a des anges les pouvoirs de divination et de persuasion, plus une droite ravageuse. Entraînant André dans une errance nocturne, elle va lui servir de coach, et lui révéler qu’avant d’espérer se faire accepter par les autres, il faut commencer par s’aimer soi-même.

C’est un Besson. Indubitablement.
Un peu comme l’affiche de Virgin, on peut jouer à retrouver pêle-mêle les ingrédients de ses précédents films : le noir et blanc du « Dernier combat », les bas-fonds de « Sub way », la Mathilda de « Leon » grandie trop vite (jusqu’à ses « OK » et ses « cool ! »), les personnages dézingués du « Cinquième élément », et même l’humour éléphantesque des dialogues de « Taxi »…

La photographie de Thierry Arbogast, son complice depuis « Nikita », est superbe. Besson a filmé un Paris rêvé, sans habitants ni voiture, un Paris d’un petit matin d’août.
Il maîtrise toujours autant le cadrage et la dynamique du montage, et certaines scènes sont particulièrement réussies.

Mais tout cela n’est pas suffisant pour sauver un scénario plein de bons sentiments, avec un message qu’on croirait tiré d’un séminaire de communication pour cadres de Jacques Salomé… Tout cela en fait un film très bavard, et la tchache de Djamel conjuguée au français phonétique du mannequin Rie Rasmussen amènent rapidement le spectateur à décrocher.

Quand on se rappelle que Luc Besson s’est limité à dix films, il est dommage que celui qui est malgré tout un des cinéastes les plus intéressants de sa génération, ait ainsi dilapidé une de ses cartes dans un film si creux.

Cluny

Note : 9/10
En deux mots : Un homme et une femme. Trois époques, trois histoires d’amour, trois façons de filmer. Une leçon de cinéma par un des plus grands réalisateurs de notre temps.

Le Réalisateur : Né en 1947, Hou Hsiao-hsien a réalisé son premier film, « Cute girl», en 1980. Prix de la critique internationale à Berlin en 1985 avec « Un temps pour vivre, un temps pour mourir », Lion d’or à Venise en 1989 avec « La cité des douleurs », il obtient le Prix du Jury au Festival de Cannes en 1993 pour « Le maître des marionnettes ».
Le public français a découvert « Les fleurs de Shangaï » en 1998, « Millenium Mambo » en 2001 et « Café Lumière » en 2003, hommage à Ozu.

La critique : Trois histoires autour de l’amour, un même lieu, Taïwan, deux acteurs, et trois périodes différentes. Ces trois moyens métrages parlent d’approches différentes de l’amour, et donnent lieu à des façons différentes de les filmer.

1966. May travaille dans une salle de billard. Elle rencontre Chen. Ils flirtent. Puis il doit partir à l’armée. Elle reste, l’attend, puis s’en va. Quand il revient, il part à sa recherche…
Rythmé par les chansons des « Aphrodite’s Child », ce film évoque à la fois « Les Parapluies de Cherbourg » (le chassé-croisé, le rôle du départ à l’armée) et « In the mood for love » (la tension amoureuse retenue, les robes sixties).

Le film se termine sur le premier passage à l’acte : sous la pluie, Chen prend la main de May… Animée d’une langueur nostalgique, il montre l’intensité des émois de la rencontre ; un regard, un effleurement prennent une ampleur voluptueuse, et le talent de Shu Qi se manifeste dans chaque sourire esquissé, dans chaque déplacement en apesanteur…

Longs et lents travelings, éclairage tamisé, la réalisation est adaptée à l’histoire : fluide et élégante.

1911. Ah Mei est courtisane dans une maison de plaisir. Elle a pour client M. Chang, jeune bourgeois qui combat pour sortir Taïwan de la domination japonaise. Elle le sensibilise au sort d’une de ses amies, tombée amoureuse. Il va utiliser ses relations et sa fortune pour permettre leur mariage. Mais quand elle lui demande de faire la même chose pour elle, il l’abandonne, préférant ses ambitions politiques.

Tourné en couleurs, ce film est muet, avec des inter-titres. Seuls sons, le chant lancinant de la courtisane, et le bruit de l’enveloppe qui se déchire, couperet qui met fin à son espoir…
Là, on retrouve le style des « Fleurs de Shangaï », tourné aussi dans une maison de plaisir. Le réalisateur joue de l’exiguïté des lieux par des plans fixes qui utilisent portes, fenêtres et miroirs pour démultiplier les points de vue.

L’amour ici est soumis au plaisir et aux choix arbitraire des hommes, et le même Chang qui offre le bonheur à l’une condamne l’autre au malheur.

2005. Jing est chanteuse de rock, bisexuelle. Elle rencontre Zhen, photographe. La technologie de la communication est partout : e-mail, photo numérique, téléphone portable, SMS, et pourtant les personnages se croisent, font l’amour, se quittent sans jamais donner l’impression d’être heureux, sans jamais vraiment échanger…

Il s’agit d’un prolongement de « Millenium Mambo » : même actrice (Shu Qi), même lumière nocturne, même place de la techno…

Le film débute sur un long traveling qui suit la moto de Zhen slalomant dans la circulation de Taipeh. La caméra virevolte dans des espaces entrelacés : boîtes, appartements, cybercafés. La narration est destructurée, à l’image de la vie urbaine dans le village mondial de ce nouveau millénaire.

Comme vous pouvez le deviner, j’ai adoré ce film pour son intelligence, sa virtuosité, son esthétique, son actrice. Habitué et grand fan du cinéma asiatique, aujourd’hui un des plus créatifs, je peux comprendre qu’on ne partage pas mon enthousiasme et qu’on ait du mal à rentrer dans une monde si différent (une copine s’en souvient, qui s’est endormie aux « Fleurs de Shangaï » !), malgré un propos universel.

Cluny

The three burials of Melquiades Estrada
Film américain de Tommy Lee Jones
Scénario : Guillermo Arriaga
Interprètes : Tommy Lee Jones (Pete Perkins), Barry Pepper (Mike Norton), Julio Cedillo (Melquiades Estrada)
Durée : 1 h 57

Note : 8,5/10
En deux mots : Ce western tex-mex dans la lignée de Sam Peckinpah et de Clint Eastwood est une réussite. Doublement couronné à Cannes, il raconte de façon baroque une errance entre Texas et Mexique, véritable parcours initiatique qui débouche sur la rédemption.

Le Réalisateur : Il s’agit du premier film de Tommy Lee Jones. Né en 1946 au Texas, il a longtemps été cantonné dans des seconds rôles, souvent de méchants. C’est à partir du « Fugitif » (1993) qu’il accède aux premiers rôles : « Men in black », « Traqué », « Space Cowboys ». C’est sur ce dernier film qu’il voit travailler Clint Eastwood, dont il reconnaît s’être inspiré.
"Clint est un très bon exemple à suivre pour n'importe quel réalisateur. S'il y a une chose que je partage avec lui, c'est de ne jamais faire plus de trois prises. Vous devez être prêt à la première, on fait la deuxième par sécurité et la troisième en cas de problème technique comme une rature sur le négatif."

La critique : Melquiades Estrada n’a pas de chance.
Obligé comme beaucoup d’hommes de s’expatrier au Texas voisin, ce Mexicain a été contraint il y a quinze ans d’abandonner de l’autre côté de la frontière femme et enfants. Alors qu’il chasse un coyote, sa destinée va croiser Mike Norton, jeune garde-frontière brutal et raciste. Enterré une première fois sous des pierres, il aura droit à une seconde tombe anonyme dans le cimetière de la police.

Mais Pete, son employeur devenu son ami, lui avait promis de l’enterrer de l’autre côté de la fontière, chez lui. Pour tenir sa promesse, il va enlever le meurtrier de Melquiades, et le contraindre à convoyer son corps jusqu’à sa troisième sépulture, avec pour seule carte quelques mots griffonnés sur un post-it..

Cela, le spectateur devra le reconstituer à la manière d’un puzzle. En effet, les différentes pièces nous sont livrées dans le désordre, avec à peine quelques indices temporels. On retrouve là la patte de Guillermo Arriaga, scénariste de « Amours chiennes » et de « 21 grams », et primé à Cannes pour « Trois enterrements ».

Cette déstructuration du récit n’est pas gênante, bien au contraire, puisqu’elle s’accorde avec une dilution du temps propre à cette région, à l’instar de ce vieil homme aveugle oublié de tous, rencontré au cours de leur périple.

Le seul élément qui marque l’écoulement du temps, c’est le cadavre de Melquiades. Il n’échappe pas à sa décomposition, comme dans « Apportez-moi la tête d'Alfredo Garcia » de Sam Peckinpah, et aucun traitement de choc ne nous est épargné, avec une approche désacralisée de la mort très mexicaine.
Au fur et à mesure de leur parcours, les certitudes du jeune garde-frontière vont s’effondrer. Mais Pete aussi devra se confronter à une réalité qui n’est pas celle qu’il croyait.

Cannes a récompensé Tommy Lee Jones en lui accordant le Prix d’Interprétation masculine. Reconnaissance ambiguë, puisqu’elle est destinée à un acteur pour la première fois réalisateur. Mais reconnaissance amplement méritée, car il s’est offert un personnage comme aime à les camper Clint Eastwood dans ses derniers films.

Comme chez ce dernier, l’épaisseur des héros est étayée par les personnages secondaires : la femme du garde-frontière, yankee perdue dans un sud déjà chicano, la serveuse généreuse de ses charmes mais malgré tout fidèle à son mari qu’on ne voit qu’à travers le passe-plat, une immigrante un peu rebouteuse qui va conjuguer vengeance et générosité…

Film à la fois baroque et épuré, « Trois enterrements » nous montre qu’il existe d’autres façons de réussir sa reconversion pour des acteurs hollywoodiens que de refuser de gracier des condamnés à mort…

Cluny