Film français d'Isabelle Doval

Interprètes : Anne Brochet (Emma), Jean Senejou (Maxime), Martin Jobert (Esteban), Angela Molina (Louna)



Durée : 1 h 28

Note :  5/10

En deux mots : Comédie diesel, qui met beaucoup de temps à démarrer, desservi par un casting inégal.

La réalisatrice : Née à Tunis, Isabelle Doval commence sa carrière d'actrice au théâtre avec Jérome Savary  pour "Le Bougeois Gentilhomme" et "Cabaret", ou Thierry Godefry pour "Cotton Club". Elle apparaît au cinéma sous le nom d'Isabelle Dinelli dans "Le plus beau Métier du monde" (1996), "Comme une bête" (1998) ou "La Vérité si je mens 2" (2001). En 2003, elle réalise son premier film, "Rire et Châtiment" où elle met en scène son mari, José Garcia.

Le sujet : Maxime, 13 ans,  vit avec sa mère avocate, Emma ; son père est mort dix ans auparavant et sa mère n'a jamais réussi à refaire sa vie. Elle est très prise par son travail, et Maxime est tout le temps fourré chez leurs voisins, les Marquès, dont le fils Esteban est devenu son meilleur ami. Quand il apprend que les Marquès vont déménager pour retourner en Espagne, il refuse de perdre Esteban, et se dit que la seule façon d'empêcher son départ est de l'inscrire à un casting pour une comédie musicale.

La critique : Pendant les longs moments d'ennui que j'ai traversés dans la première moitié du film, je me demandais ce qui faisait qu'on entre ou non dans un film, et combien les premières minutes sont déterminantes pour se faire une opinion. Est-ce le scénario, les dialogues, le jeu d'acteur ? Concernant "Un Château en Espagne", je n'avais que le choix de l'embarras, puisqu'il s'agissait d'un peu de tout ça.

Première scène : pique-nique champêtre d'une tribu espagnole en France avec, forcément, corrida pour les garçons, foot pour les hommes, et guitare flamenco pour tout le monde. Puis quelques scènes d'exposition pour comprendre la situation : Maxime souffre du deuil impossible du père et d'une mère absente, et a trouvé une famille de substitution chez ses ibériques voisins. Ajoutons à cela des dialogues qui sonne ultra-faux, et un jeu tout en cabotinage des deux garçons qui occupent l'écran les 75% du temps. La mise en scène ne relève pas l'ensemble, se limitant à un abus de la faible profondeur de champ et à des travelings latéraux en va-et-vient fatigants.

Déception donc par rapport à l'attente que je pouvais avoir suite au premier film plutôt réussi d'Isabelle Doval, "Rire et Châtiment", même si je commençais à me faire la remarque que les reproches que je peux faire à "Un Château en Espagne" (personnages outranciers, situations caricaturales, enfilage de clichés) étaient en germe dans le film précédent, simplement dissimulés sous l'abattage de José Garcia (Son imitation de Joe Dassin ou son histoire de l'ours bleu du Canada, ce n'était pas du Lubitsch, mais qu'est-ce qu'on se marrait !).

Et puis, imperceptiblement, les défauts s'estompent, à moins qu'on s'y habitue, et certaines scènes retrouvent l'efficacité de "Rire et Châtiment", comme la leçon de morale d'Emma qui s'emberlificote dans la dénomination des habitants du Burkina, ou la discussion de la même Emma avec les parents d'Esteban qui se termine en plaidoirie avec effets de manches et trémolos sous leurs yeux hallucinés.

Le petit complot de Maxime donne enfin du rythme au récit, et la fin rompt avec les clichés, tant sur la forme que sur le fond. Ouuvre mineure digne d'un téléfilm de TF1, "Un Château en Espagne" se rachète tardivement en laissant entrevoir la comédie légèrement décalée qu'elle aurait pu être.

Cluny

Film américain de Brian De Palma

Interprètes : Kel O'Neill (Gabe Blix), Ty Jones (Jim Sweet), Daniel Sherman (B.B. Rush)



Durée : 1 h 30

Note :  7/10

En deux mots : Brian De Palma croise deux de ses obsessions : la violence de la guerre et le pouvoir des images. Dérangeant, foisonnant, passionnant.

Le réalisateur : Né en 1940 à Newark, Brian De Palma achète une caméra 16 mm avec laquelle il tourne des courts-métrages. En 1963, il réalise son premier long "The Wedding party" avec Robert de Niro, un débutant qu'il présentera à son ami Martin Scorsese. Dans les années 70, il tourne plusieurs films fantastiques : "Les Soeurs de sang", "Phantom of the Paradise" et "Carrie", d'après Stephen King. Il réalise ensuite "Pulsions" (1981), puis "Blow Out"(1982), une adaptation de "Blow Up" avant "Scarface" (1984), un remake du film de Hawks sur un scénario d'Oliver Stone. Suivront notamment "Les Incorruptibles" (1987), "Le Bûcher des vanités" (1991), "Mission Impossible" (1996), "Snake Eyes" (1998), "Mission to Mars" (2000) et "Le Dahlia noir" (2006)

Le sujet : Une unité de l'armée américaine tient un barrage dans la ville irakienne de Samarra. Il y a là Angel Salazar, qui s'est engagé pour se payer une école de cinéma, et qui filme tout avec son camescope, McCoy qui s'est engagé après le 11 septembre, Blix l'intello qui se réfugie dans la lecture, et le duo infernal, B.B. Rush et Reno, alcooliques et obsédés.

Reno tire sur une voiture qui ne s'arrête pas assez vite au check point, et tue une femme enceinte. Peu après, leur sergent saute sur une mine artisanale. Malgré le désaccord de Mc Coy et de Salazar, Rush et Reno décident alors d'organiser une expédition punitive au cours de laquelle ils violent une irakienne de 15 ans et massacre toute sa famille.

La critique : En 1989, Brian De Palma avait raconté dans "Outrages" le viol d'une jeune vietnamienne par des soldats américains, ainsi que l'antagonisme entre le sergent Meserve et le soldat Eriksson qui s'était opposé à cette exaction. 19 ans plus tard, la même histoire sert de base au scénario de son nouveau film, avec cette fois comme cadre l'Irak sous occupation américaine. Le recours à une trame identique, inspirée dans les deux cas par des faits réels, n'a rien d'anodin, bien au contraire, ainsi que le souligne Brian De Palma : "Les Français ont appris les leçons de leur guerre d'Indochine. Nous autres Américains n'en avons finalement pas été capables avec notre guerre du Viêtnam."

Mais au-delà des points communs, ce sont les dissemblances qu'il convient de souligner. "Outrages" présentait une facture hollywoodienne classique : recours à des acteurs connus, Michael J. Fox et Sean Penn, construction sur un flash-back, narration hitchcokienne du conflit entre les deux principaux protagonistes. "Outrages" était du un film premier siècle du cinéma, "Redacted" est un film (un objet audiovisuel ?) du siècle d'internet. Il prend la forme d'un patchwork des seuls images qui parviennent à s'exfiltrer de là-bas.

En effet, De Palma part du constat suivant : "L'une des raisons pour lesquelles on ne voit pas tant que ça de personnes dans les rues aux Etats-Unis pour protester contre cette guerre, c'est parce que l'on ne voit pas chez nous les images des pertes civiles et des soldats tués ou blessés, contrairement à ce que l'on voyait pendant la guerre du Viêtnam. Dans le conflit irakien, on ne voit malheureusement que des images que le Pentagone et George Bush veulent bien nous faire voir, destinées à plus ou moins nous rassurer en nous disant : "Ne vous inquiétez pas, tout va bien, nous sommes en train de progresser". Voilà qui explique le titre : redacted, cela signifie rendu propre à la rédaction, ou plus clairement, revu et corrigé.

Ce sont donc des images fractionnées, volées, cachées qui forment le fil de cette histoire. On voit le film tourné au camescope au sein même de l'unité par Angel Salazar, qui espère ainsi le présenter à l'entrée de l'école de cinéma qu'il compte payer avec sa solde, un documentaire (français, bien sûr) esthétisant et au commentaire prétentieux, la vidéo mise sur le blog de la femme du private Mc Coy, les images de propagande d'un site islamiste, la bande d'une caméra de surveillance et les minutes de l'interrogatoire des principaux suspects par la justice militaire.

Images reconstituées bien sûr, avec une évidente jubilation de De Palma pour cet exercice de style, lui qui depuis "Blow Out" décline toutes les façons d'incruster des images dans l'image : il suffit de se rappeler les multiples visions de la scène du combat de boxe de "Snake Eyes". Alors, tout n'est pas du même niveau, et le voyeurisme d'Angel Salazar qui sucite le cabotinage de ses compagnons provoque plusieurs fois le malaise devant le discours haineux et raciste de Rush et Reno, ou devant sa passivité lors du viol insupportable. Mais même ces scènes dérangeantes apportent leur part à la reconstitiution du récit, et à la peinture d'une armée en déroute morale.

Il est intéressant de voir la concomitance des sorties de "Redacted" et de "Battle for Haditha", qui là encore racontent à peu près la même histoire, en choisissant l'un et l'autre des formes renouvelées de narration : puzzle numérique pour le premier, forme documentaire pour le second. Film plus que jamais utile d'un point de vue politique, "Redacted"est aussi une oeuvre passionnante par l'inventivité de sa forme et le parti pris qu'un grand réalisateur peut tirer d'un budget ridicule et de de la contrainte numérique.

Cluny

Film français de Léa Fazer

Interprètes : Alice Taglioni (Margot), Jocelyn Quivrin (Victor), Thierry Lhermitte (Bervesier), Pascale Arbillot (Juliette)



Durée : 1 h 27

Note :  7/10

En deux mots : Comédie assez réussie sur l'égalité des chances dans le monde des affaires racontée au conditionnel pluriel.

Le réalisateur : Née à Genève en 1965, Léa Fazer fait des études de lettres en Suisse avant de suivre les cours de l'Ecole du Théâtre National de Strasbourg. Elle écrit et joue dans de nombreuses pièces de théâtre avant de réaliser son premier ilm en 2004, "Bienvenue en Suisse".

Le sujet : Margot et Victor sont deux jeunes avocats d'affaires qui travaillent dans le même cabinet, et qui vivent en couple. Quand l'un des deux associés du cabinet meurt, le survivant, Bervesier, décide de les recevoir pour choisir lequel des deux prendra le poste vacant. Margot et Victor se jurent que quelque soit l'heureux élu, l'autre se réjouira et que leur vie de couple n'en sera pas affectée.

La critique : Longtemps centré sur le microcosme culturel, le cinéma français s'émancipe de la gauche caviar pour s'intéresser au monde de l'entreprise et aux rapports qui le régissent. Des films aussi différents que "Ressources Humaines", "La Question Humaine" ou "Le Tueur" ont choisi de dépeindre cet univers qualifié précisément d'impitoyable, et dont les règles policées qui gouvernent les relations de façade camouflent mal la férocité de la logique libérale. La particularité du film de Léa Fazer est d'aborder cette question sous l'angle de la comédie, en mettant à l'épreuve de la concurrence un jeune couple.

Fréquent dans la comédie anglosaxonne, ce choix innove dans le cadre de la pignolade hexagonale, puisque c'est la première des 27 comédies françaises critiquées dans ces colonnes à avoir opté pour le monde des affaires non comme prétexte ou toile de fond (comme dans "Olé" ou "La Doublure"), mais comme sujet. 

L'autre singularité de "Notre Univers impitoyable" réside dans sa construction scénaristique. Afin d'illustrer les effets sur le couple du choix de l'un ou de l'autre comme associé, Léa Fazer décide de nous montrer l'un et l'autre. Selon que le talon aiguille de Margot se soit cassé ou que le camion ait bloqué le passage de Victor le jour du rendez-vous décisif, deux versions de l'histoire se déroulent devant nous, avec des passages entre ces deux réalités potentielles habilement ouverts par des réflexions du genre "Si c'était toi qui avait eu le poste, ça ne se serait pas passé comme ça".

Le procédé n'est pas nouveau, et Léa Fazer le reconnait en citant sa source d'inspiration, "Pile et Face", de Peter Howitt. Mais ici, cette arborescence se justifie parce qu'elle permet d'illustrer la différence de conséquences selon que ce soit l'homme ou la femme qui ait obtenu la promotion. Comme le dit Alice Taglioni, "Dans le film, et c'est toute son ironie, que ce soit Margot ou Victor qui ait le poste d'associé, la parité est respectée : c'est la catastrophe ! Mon personnage est obligé de coucher avec son patron, Victor doit presque fatalement se taper sa secrétaire."

Là repose l'intérêt du film, mais aussi sa limite : ce n'est pas tant la nature des événements qui arrivent à l'un et/ou à l'autre qui présente l'intérêt essentiel, mais leur comparaison, voire leur opposition. Car Léa Fazer ne trouve pas dans la description des deux options la même créativité qu'elle a mis dans la construction de l'ensemble. On n'échappe pas aux clichés, et dans les deux hypothèses, on ne semble pas savoir que Laurence Parisot dirige le MEDEF depuis plus deux ans.

Léa Fazer a voulu des personnages lisses, afin de mieux illustrer ce que les évènements en font : "Je voulais montrer des personnages qui n'ont pas de "défaut moral". Ils n'ont pas de problèmes majeurs, ils n'ont pas eu une enfance particulièrement malheureuse, ils ont une vie "normale", qui pourrait passer pour banale." Du coup, Margot et Victor sont dans dans la norme, certes, mais la norme de ce type de milieu fait froid dans le dos, et on a du mal à avoir de la sympathie pour eux, ce qui limite l'efficacité du propos.

Il faut plus chercher l'humanité du côté des personnages secondaires, notamment la grande soeur larguée de Margot, dont Léa Fazer parle ainsi : "À l'écran, mon féminisme est incarné par le personnage que joue Pascale Arbillot. C'est une féministe acharnée. J'adhère à chaque mot qu'elle dit, sauf qu'elle est ridicule. Chaque fois qu'elle ouvre la bouche ça fait rire ! Cette autodérision doit me rassurer."

Grâce à l'effet de miroir entre les deux éventualités, le film bénéficie d'un rythme "à l'américaine", au moins jusqu'aux deux-tiers du film ; après, et sans doute parce qu'on s'est trop éloigné de la situation de départ, on retombe dans un comédie à la française un peu poussive. Néanmoins, par son inventivité formelle et sa cruauté soft "Notre Univers impitoyable" se laisse regarder avec plaisir.

Cluny