Film philippin de Brillante Mendoza

Titre original : Foster Child

Interprètes : Cherry Pie Picache (Thelma), Eugen Domingo (Bianca), Kier Alonzo (John John)



Durée : 1 h 38

Note :  6,5/10

En deux mots : "Adieu Philippines", la dernière journée d'un enfant dans sa famille adoptive, filmée comme un documentaire ; Un peu lent, mais parfois poignant sans jamais tomber dans le mélo.

Le réalisateur : Né en 1960 à San Fernando, dans la province de Pampanga aux Philippines, Brillante Mendoza a suivi des études artistiques à Manille. Il commence sa carrière comme designer pour le cinéma, la télévision et le théâtre. Il a réalisé de nombreuses publicités, avant de tourner son premier film en 2005, "Masahista".

Le sujet : Dans les bidonvilles de Manille, Thelma est chargée par un service social d'élever des enfants abandonnés jusqu'à leur adoption officielle. Ainsi, avec son mari et ses deux grands fils, elle s'occupe depuis 3 ans de John John qui va être adopté par un couple d'Américains, les Stewart.

La critique : Le plan d'ouverture se compose d'un lent panoramique partant des gratte-ciels de Manille, puis s'arrête sur un plan fixe tremblotant sur le ciel bleu pendant que défile le générique, puis un panoramique vertical dévoile le bidonville où vit la famille d'accueil de John John. Cette première scène résume un des aspects essentiels du film : la violence de l'opposition entre la très grande richesse de la nouvelle ville et la très grande pauvreté des quartiers où vivent John John et sa famille adoptive.

En effet, aux Philippines, les services sociaux préfèrent confier les enfants à des nourrices de ces quartiers, car là elles savent qu'elles peuvent compter sur des vies de familles qu'elles ne trouvent plus dans les quartiers aisées où les deux parents travaillent. Pourtant, ce qui frappe d'emblée dans "John John", c'est l'absence de misérabilisme. Dans l'enchevêtrement de leur masure, Thelma et les siens ont su aménager une vraie maison, avec télé, photos de famille et rideaux ; même si la douche se fait dans une bassine, tout le monde porte du linge propre, mange à sa faim, et peut compter sur la solidarité des voisins.

Brillante Mendoza se dit très influencé par le cinéma-vérité : "Je souhaitais que la caméra adopte le point de vue d'une personne étrangère aux évènement qui se déroulent, comme s'il s'agissait d'un observateur extérieur." Il filme donc en longs plans séquences, à la suite de ses personnages dans le dédale des ruelles du bidonville, un peu comme Naomi Kawase dans "Shara". La caméra portée se glisse dans le peu d'espace, avec une alternance de plans rapprochés et de plans d'ensemble. Le parti pris de captation de cette exiguité est à l'opposé de celui de Wong Kar Wai dans les couloirs de Mr Koo : pas de montage interne, pas de savants découpages de l'image, mais une volonté de subir cet environnement, quitte à ce que l'image soit brutalement surexposée quand le personnage émerge du labyrinthe.

Pas ou presque pas de musique, un son pris à la volée pour renforcer l'impression documentaire. Ce dépouillement un peu trop systématique peut lasser, comme cette séquence où le fils de Thelma prépare à manger, sans aucune ellipse, de l'ouverture malhabile de la boîte de conserve jusqu'à la cuisson des pâtes. Cette façon de filmer dans la continuité s'avère plus intéressante quand Thelma et Bianca l'assistante sociale arrivent dans les couloirs de l'hôtel de luxe où résident les parents adoptifs. Brillante Mendoza n'avait pas expliqué à l'actrice qui jouait Thelma où elle devait aller, et ses déplacements réellement erratiques soulignent le choc que représente pour elle un tel étalage de richesse, choc qui atteindra son paroxysme dans la scène de la douche.

Plein de tendresse pour ses personnages, "John John" ne juge pas, ne professe aucune doctrine ; il met en scène des gens positifs, tant du côté des nourrices et de leurs encadrantes que du côté des adoptants, même si ceux-ci sont un peu maladroits dans leur jovialité. Il réussit simplement à rendre crédible l'émotion de Thelma, sans recourir au pathos ni aux facilités de mise en scène. Malgré ses longueurs et quelques digressions inutiles, ce film très réfléchi nous permet d'espérer un retour du cinéma phlippin absent des écrans occidentaux depuis la disparition de Lino Brocka.

Cluny

Film français d'Isabelle Doval

Interprètes : Anne Brochet (Emma), Jean Senejou (Maxime), Martin Jobert (Esteban), Angela Molina (Louna)



Durée : 1 h 28

Note :  5/10

En deux mots : Comédie diesel, qui met beaucoup de temps à démarrer, desservi par un casting inégal.

La réalisatrice : Née à Tunis, Isabelle Doval commence sa carrière d'actrice au théâtre avec Jérome Savary  pour "Le Bougeois Gentilhomme" et "Cabaret", ou Thierry Godefry pour "Cotton Club". Elle apparaît au cinéma sous le nom d'Isabelle Dinelli dans "Le plus beau Métier du monde" (1996), "Comme une bête" (1998) ou "La Vérité si je mens 2" (2001). En 2003, elle réalise son premier film, "Rire et Châtiment" où elle met en scène son mari, José Garcia.

Le sujet : Maxime, 13 ans,  vit avec sa mère avocate, Emma ; son père est mort dix ans auparavant et sa mère n'a jamais réussi à refaire sa vie. Elle est très prise par son travail, et Maxime est tout le temps fourré chez leurs voisins, les Marquès, dont le fils Esteban est devenu son meilleur ami. Quand il apprend que les Marquès vont déménager pour retourner en Espagne, il refuse de perdre Esteban, et se dit que la seule façon d'empêcher son départ est de l'inscrire à un casting pour une comédie musicale.

La critique : Pendant les longs moments d'ennui que j'ai traversés dans la première moitié du film, je me demandais ce qui faisait qu'on entre ou non dans un film, et combien les premières minutes sont déterminantes pour se faire une opinion. Est-ce le scénario, les dialogues, le jeu d'acteur ? Concernant "Un Château en Espagne", je n'avais que le choix de l'embarras, puisqu'il s'agissait d'un peu de tout ça.

Première scène : pique-nique champêtre d'une tribu espagnole en France avec, forcément, corrida pour les garçons, foot pour les hommes, et guitare flamenco pour tout le monde. Puis quelques scènes d'exposition pour comprendre la situation : Maxime souffre du deuil impossible du père et d'une mère absente, et a trouvé une famille de substitution chez ses ibériques voisins. Ajoutons à cela des dialogues qui sonne ultra-faux, et un jeu tout en cabotinage des deux garçons qui occupent l'écran les 75% du temps. La mise en scène ne relève pas l'ensemble, se limitant à un abus de la faible profondeur de champ et à des travelings latéraux en va-et-vient fatigants.

Déception donc par rapport à l'attente que je pouvais avoir suite au premier film plutôt réussi d'Isabelle Doval, "Rire et Châtiment", même si je commençais à me faire la remarque que les reproches que je peux faire à "Un Château en Espagne" (personnages outranciers, situations caricaturales, enfilage de clichés) étaient en germe dans le film précédent, simplement dissimulés sous l'abattage de José Garcia (Son imitation de Joe Dassin ou son histoire de l'ours bleu du Canada, ce n'était pas du Lubitsch, mais qu'est-ce qu'on se marrait !).

Et puis, imperceptiblement, les défauts s'estompent, à moins qu'on s'y habitue, et certaines scènes retrouvent l'efficacité de "Rire et Châtiment", comme la leçon de morale d'Emma qui s'emberlificote dans la dénomination des habitants du Burkina, ou la discussion de la même Emma avec les parents d'Esteban qui se termine en plaidoirie avec effets de manches et trémolos sous leurs yeux hallucinés.

Le petit complot de Maxime donne enfin du rythme au récit, et la fin rompt avec les clichés, tant sur la forme que sur le fond. Ouuvre mineure digne d'un téléfilm de TF1, "Un Château en Espagne" se rachète tardivement en laissant entrevoir la comédie légèrement décalée qu'elle aurait pu être.

Cluny

Film américain de Brian De Palma

Interprètes : Kel O'Neill (Gabe Blix), Ty Jones (Jim Sweet), Daniel Sherman (B.B. Rush)



Durée : 1 h 30

Note :  7/10

En deux mots : Brian De Palma croise deux de ses obsessions : la violence de la guerre et le pouvoir des images. Dérangeant, foisonnant, passionnant.

Le réalisateur : Né en 1940 à Newark, Brian De Palma achète une caméra 16 mm avec laquelle il tourne des courts-métrages. En 1963, il réalise son premier long "The Wedding party" avec Robert de Niro, un débutant qu'il présentera à son ami Martin Scorsese. Dans les années 70, il tourne plusieurs films fantastiques : "Les Soeurs de sang", "Phantom of the Paradise" et "Carrie", d'après Stephen King. Il réalise ensuite "Pulsions" (1981), puis "Blow Out"(1982), une adaptation de "Blow Up" avant "Scarface" (1984), un remake du film de Hawks sur un scénario d'Oliver Stone. Suivront notamment "Les Incorruptibles" (1987), "Le Bûcher des vanités" (1991), "Mission Impossible" (1996), "Snake Eyes" (1998), "Mission to Mars" (2000) et "Le Dahlia noir" (2006)

Le sujet : Une unité de l'armée américaine tient un barrage dans la ville irakienne de Samarra. Il y a là Angel Salazar, qui s'est engagé pour se payer une école de cinéma, et qui filme tout avec son camescope, McCoy qui s'est engagé après le 11 septembre, Blix l'intello qui se réfugie dans la lecture, et le duo infernal, B.B. Rush et Reno, alcooliques et obsédés.

Reno tire sur une voiture qui ne s'arrête pas assez vite au check point, et tue une femme enceinte. Peu après, leur sergent saute sur une mine artisanale. Malgré le désaccord de Mc Coy et de Salazar, Rush et Reno décident alors d'organiser une expédition punitive au cours de laquelle ils violent une irakienne de 15 ans et massacre toute sa famille.

La critique : En 1989, Brian De Palma avait raconté dans "Outrages" le viol d'une jeune vietnamienne par des soldats américains, ainsi que l'antagonisme entre le sergent Meserve et le soldat Eriksson qui s'était opposé à cette exaction. 19 ans plus tard, la même histoire sert de base au scénario de son nouveau film, avec cette fois comme cadre l'Irak sous occupation américaine. Le recours à une trame identique, inspirée dans les deux cas par des faits réels, n'a rien d'anodin, bien au contraire, ainsi que le souligne Brian De Palma : "Les Français ont appris les leçons de leur guerre d'Indochine. Nous autres Américains n'en avons finalement pas été capables avec notre guerre du Viêtnam."

Mais au-delà des points communs, ce sont les dissemblances qu'il convient de souligner. "Outrages" présentait une facture hollywoodienne classique : recours à des acteurs connus, Michael J. Fox et Sean Penn, construction sur un flash-back, narration hitchcokienne du conflit entre les deux principaux protagonistes. "Outrages" était du un film premier siècle du cinéma, "Redacted" est un film (un objet audiovisuel ?) du siècle d'internet. Il prend la forme d'un patchwork des seuls images qui parviennent à s'exfiltrer de là-bas.

En effet, De Palma part du constat suivant : "L'une des raisons pour lesquelles on ne voit pas tant que ça de personnes dans les rues aux Etats-Unis pour protester contre cette guerre, c'est parce que l'on ne voit pas chez nous les images des pertes civiles et des soldats tués ou blessés, contrairement à ce que l'on voyait pendant la guerre du Viêtnam. Dans le conflit irakien, on ne voit malheureusement que des images que le Pentagone et George Bush veulent bien nous faire voir, destinées à plus ou moins nous rassurer en nous disant : "Ne vous inquiétez pas, tout va bien, nous sommes en train de progresser". Voilà qui explique le titre : redacted, cela signifie rendu propre à la rédaction, ou plus clairement, revu et corrigé.

Ce sont donc des images fractionnées, volées, cachées qui forment le fil de cette histoire. On voit le film tourné au camescope au sein même de l'unité par Angel Salazar, qui espère ainsi le présenter à l'entrée de l'école de cinéma qu'il compte payer avec sa solde, un documentaire (français, bien sûr) esthétisant et au commentaire prétentieux, la vidéo mise sur le blog de la femme du private Mc Coy, les images de propagande d'un site islamiste, la bande d'une caméra de surveillance et les minutes de l'interrogatoire des principaux suspects par la justice militaire.

Images reconstituées bien sûr, avec une évidente jubilation de De Palma pour cet exercice de style, lui qui depuis "Blow Out" décline toutes les façons d'incruster des images dans l'image : il suffit de se rappeler les multiples visions de la scène du combat de boxe de "Snake Eyes". Alors, tout n'est pas du même niveau, et le voyeurisme d'Angel Salazar qui sucite le cabotinage de ses compagnons provoque plusieurs fois le malaise devant le discours haineux et raciste de Rush et Reno, ou devant sa passivité lors du viol insupportable. Mais même ces scènes dérangeantes apportent leur part à la reconstitiution du récit, et à la peinture d'une armée en déroute morale.

Il est intéressant de voir la concomitance des sorties de "Redacted" et de "Battle for Haditha", qui là encore racontent à peu près la même histoire, en choisissant l'un et l'autre des formes renouvelées de narration : puzzle numérique pour le premier, forme documentaire pour le second. Film plus que jamais utile d'un point de vue politique, "Redacted"est aussi une oeuvre passionnante par l'inventivité de sa forme et le parti pris qu'un grand réalisateur peut tirer d'un budget ridicule et de de la contrainte numérique.

Cluny