Film français de Robert Guédiguian

Interprètes : Ariane Ascaride (Muriel), Jean-Pierre Darroussin (François), Gérard Meylan (René)

Durée : 1 h 42

Note :  4/10

En deux mots : De retour à Marseille, Guédiguian nous pond un polar psychologique prétentieux et mou du genou.

Le réalisateur : Né en 1953 à Marseille, Robert Guédiguian a grandi dans le quartier populaire de l'Estaque. Après des études de sociologie (il a écrit une thèse sur la perception de l'Etat dans le milieu ouvrier), il suit sa compagne Ariane Ascaride à Paris, où il devient scénariste. Il réalise son premier film en 1980, "Dernier Eté", déjà avec Gérard Meylan et Ariane Ascaride, qui tourneront 14 films avec lui, rejoint par Jean-Pierre Darroussin sur 12 films.

Suivent "Rouge Midi" (1983), "Ki lo sa ?" (1985), "Dieu vomit les Tièdes" (1989), "A l'Amour à la Mort" (1995), "Marius et Jeannette" (1997), "A la place du Coeur" (1998), "A l'attaque !" (2000), "La Ville est tranquille" (2001), "Marie-Jo et ses deux Amours" (2002), "Le Promeneur du Champ de Mars" (2005) et "Voyage en Arménie" (2006).

Le sujet : Ancienne braqueuse, Muriel possède un magasin de luxe à Aix. Quand son fils Martin est enlevé et qu'on lui demande une rançon, elle fait appel à ses deux complices d'autrefois, François et René, qu'elle avait perdu de vue après qu'elle ait exécuté un bijoutier lors d'un braquage dans un parking. Ils réunissent la somme demandée, mais lors de la remise de la rançon, Martin est abattu sous les yeux de sa mère.

Elle demande à ses deux amis de ne plus la voir, et absorbent des barbituriques dans sa boutique. Mais elle est sauvée, un homme ayant appelé les secours avec le portable de son fils. Comprenant qu'elle ne trouvera pas de répit tant qu'elle n'aura pas retrouvé l'assassin de son fils, François et René se lancent sur sa piste...

La critique : "Lady Jane", c'est à la fois le surnom que son père donnait à Muriel en référence à la chanson de 1966 des Stones, le tatouage gravé sur son avant-bras qu'elle présenta à sa victime avant de l'exécuter froidement, et le nom de la boutique de luxe qu'elle a ouvert à Aix avec l'argent de ses braquages quand elle s'est retirée des affaires.

La première image de ses années de banditisme, c'est celle de son rêve qui ouvre le film, où avec François et René, tous trois dissimulés sous des masques de Jean Marais dans "Le Bossu", ils distribuent des manteaux de fourrures aux ouvrières de l'Estaque. On nous présente donc les trois compères comme de sympathiques Robin des Bois, pratiquant la redistribution des richesses, et coulant une pré-retraite bien méritée entre Aix et les calenques.

Pourtant, le kidnapping de Martin ne semble pas dû au hasard, puisque le ravisseur envoie à Muriel un texto où il lui suggère d'attaquer une bijouterie pour compléter le montant de la rançon. Tout le début du film est d'ailleurs très bien réalisé, avec une utilisation intelligente du téléphone portable, le dialogue avec le ravisseur dont on n'entend que les répliques de Muriel, le MMS montrant Martin avec un pistolet sous la gorge, le bouleversement qui se lit sur le visage de sa mère souligné par la musique classique diffusée dans le magasin : une grande simplicité narrative, permettant en quelques plans de comprendre à la fois la situation et les émotions vécues par Muriel.

Las, cette simplicité ne dure pas, et cède très vite la place à une intrigue sinueuse et paresseuse, à une narration pesante, à une réalisation très seventies (les zooms sur les visages de Jean-Pierre Darroussin et Ariane Ascaride, c'est carrément un voyage dans le temps !), et à un propos philosophique filandreux. Dans ce naufrage, la complicité du trio et de leur réalisateur fétiche ne se fait pas sentir, au contraire. Moi qui ai été enthousiasmé il y a quelques mois par la performance d'Ariane Ascaride dans "La Maman Bohême suivi de Médée" de Dario Fo au théâtre de la Commune, j'ai eu du mal à la reconnaître dans cet autre rôle de mère tragique où son jeu se limite à une crispation de mâchoires permanente.

Gérard Meylan est tout aussi inexpressif (sur l'affiche, je l'avais confondu de loin avec le Professeur Rogue !), et Jean-Pierre Darroussin semble frappé de bipolarisme, oscillant  constamment entre l'exaltation et la déception amoureuse. Les personnages sont encombrés de traits de caractère caricaturaux et prévisibles, et le tout est baigné, particulièrement sur la fin, de dialogues du genre "A quoi ça sert de vivre ?".

Etrangement, même si on reconnaît ça et là quelques arrière-plans marseillais ou aixois comme la Sainte-Victoire ou la Place des 3 Ormeaux, la spécificité phocéenne si prégnante dans la plupart des autres films de Guédiguian ne se fait pas particulièrement sentir ; "Lady Jane" aurait été tourné à Bordeaux ou à Strasbourg que cela n'aurait pas changé grand chose. Dans un genre et un registre où on le sent mal à l'aise, après des escapades parisiennes et arméniennes plutôt réussies, Robert Guédiguian a clairement raté son retour à Marseille. Un coup pour du beurre ?

Cluny

Film anglo-américain de Justin Chadwick

Titre original : The Other Boleyn Girl

Interprètes : Natalie Portman (Anne Boleyn), Scarlett Johansson (Mary Boleyn), Eric Bana (Henry VIII), Kristin Scott Thomas (Lady Elizabeth)

 

Durée : 1 h 55

Note :  7/10

En deux mots : Film à l'ancienne sur les soeurs Boleyn en concurence pour le coeur du royal Barbe-Bleue, sublimé par deux actrices impeccables.

Le réalisateur : Né en 1968 à Manchester, Justin Chadwick a réalisé plusieurs épisodes de séries britanniques, comme MI-5, L’Insurgée et The Vice. "Deux soeurs pour un Roi" est son premier long métrage.

Le sujet : Juste au moment où il marie sa cadette Mary avec un nobliau du voisinage, Sir Thomas Boleyn apprend la visite du roi Henry VIII dont l'épouse, Catherine d'Aragon, n'arrive pas à lui donner un héritier mâle. Avec son beau-frère le Duc de Norfolk, il demande à son aînée Anne de séduire le roi pour faire avancer la position de la famille. Anne s'exécute, mais son excès de fougue lors d'une chasse conduit à la chute de cheval du roi.

Soigné par Mary, le souverain décide de la convoquer à la cour, et il en fait sa maîtresse. Déçue par son époux qui a approuvé ce royal cocufiage, elle tombe amoureuse d'Henry et attend bientôt un enfant de lui. Le cosneil de famille décide alors de rappeler Anne de son exil à la cour de France, afin de faire patienter le roi pendant la grossesse de sa soeur.

La critique : Un de mes premiers souvenirs cinématographiques remonte à la projection par l'aumônerie de mon lycée du film de Fred Zinnemann, "Un Homme pour l'Eternité", hagiographie de Thomas More oubliée depuis, mais qui avait quand même raflé en 1966 les oscars du meilleur film, du meilleur réalisateur, et du meilleur acteur pour Paul Scofield qui jouait le rôle titre. Dans ce film édifiant sur celui qui avait préféré sa foi papiste à la vie (d'où l'aumônerie), Anne Boleyn était jouée par Vanessa Redgrave, et six ans plus tard, c'était Charlotte Rampling qui s'y collait dans "Les Six Femmes d'Henry VIII".

Dans ces films, ainsi que dans "La Vie privée d'Henry VIII" d'Alexandre Korda (1933), le roi était par nécessité historique et par choix scénaristique au centre de l'intrigue. Chez Justin Chadwick, le récit se concentre sur la famille Boleyn, et le roi n'intervient que comme un élément extérieur aux manigances du Duc de Norfolk, de Sir Thomas Boleyn et de sa progéniture, et le vrai sujet est bien plus les Deux Soeurs que le Roi.

Au commencement donc, était une famille unie, et deux soeurs aussi belles qu'aimantes et bien éduquées par leur mère, Lady Elizabeth. Mais très vite, on découvre que si la dévotion familiale est une vertu partagée par les deux, la brune met un zèle et même une jubilation à tenter d'attirer le roi dans ses rets, alors que la blonde n'y consent qu'à contre-coeur -tout du moins jusqu'à ce que ce même coeur régularise la situation en tombant opportunément amoureuse de son royal amant.

L'opposition entre les deux, soulignée par les choix de costumes et de photographie différents (couleurs chaudes pour l'ingénue, couleurs froides pour l'intriguante), ne va qu'aller en s'accentuant au fur et à mesure que leur rivalité s'accroît : c'est l'innocence et la pureté de Mary qui séduisent Henry, puis qui la séparent de lui, alors que c'est la rouerie d'Anne qui assure à son tour sa victoire, avant de consommer sa perte. Elle a compris, aidée en cela par son séjour à la cour de France, que se refuser et se faire désirer constitue le meilleur levier pour son ambition.

Ceux qui me connaissent et les fidèles lecteurs de ces critiques le savent : un film avec Natalie Portman part avec un point de bonification, et j'applique le même tarif de faveur à Scarlett Johansson. Alors, avec les deux... Il est pourtant difficile d'imaginer le film sans la performance des deux actrices, qui ont par ailleurs expliqué que leur motivation principale pour avoir accepté ce film était justement l'opportunité de tourner l'une avec l'autre, alors qu'elles sont de la même génération et dans le même créneau.

Scarlett Johansson incarne avec intensité ce personnage à la fois aérien et profondément enraciné dans ses valeurs, sa famille et sa terre. Elle fait parfaitement passer les sentiments contradictoires qui l'animent, particulièrement dans la seconde partie du film, quand elle ravale sa fierté bafouée pour tenter de prévenir sa soeur du sort inéluctable qui l'attend.

Mais c'est surtout Natalie Portman qui impressionne, avec son premier véritable rôle de salope de compétition. D'abord douceureuse, puis calculatrice, elle montre une science de la manipulation et de l'intrigue d'autant plus monstrueuse qu'elle s'oppose au contre-point présenté par sa soeur. Elle atteint les dimensions des puissances infernales antiques, Médée ou Phèdre, notamment dans la scène qui suit sa fausse-couche, où la salle poussait des hurlements d'effroi et de dégoût. Mais même là, et justement là, elle sait rendre son personnage plausible et sa douleur crédible.

La réalisation n'est pas toujours à la hauteur du jeu des deux comédiennes. Certes, la reconstitution historique est parfaite, les costumes et les décors superbes, et la photographie réussit à s'inspirer des tableaux de la renaissance avec le même brio que Peter Webber l'avait fait dans "La Jeune fille à la Perle" - le plan de Scarlett Johansson portant sa nièce évoquant les vierges à l'enfant de la peinture flamande. Mais cette académisme est souvent trop voyant, et l'abus de filtres finit par se faire remarquer ; de plus, le scénario ne parvient pas à contourner le piège de la répétition (accouchement, fausse couche, accouchement...). En regardant "Deux soeurs pour un Roi", je repensais à la visite de Pocahontas à la cour d'Angleterre dans "Le Nouveau Monde", et à l'impression d'émerveillement circonspect de la princesse indienne que Terrence Malick avait si bien su restituer. C'est cette légerté qui manque, et qui aurait fourni une respiration bienvenue dans cette histoire si noire.

Malgré cette réserve, "Deux soeurs pour un Roi" se distingue du film historique lambda par un intrigue réellement prenante, et surtout par la qualité sans faille du jeu de deux des meilleures comédiennes de ce début de XXI° siècle.

Cluny

Film américain de Wes Anderson

Titre original : The Darjeeling Limited

Interprètes : Adrian Brody (Peter), Owen Wilson (Francis), Jason Schwartzman (Jack)



Durée : 1 h 47

Note :  7/10

En deux mots : Rail movie en Inde et voyage spirituel pour trois frères qui essaient de recoller les morceaux après la mort de leur père ; déjanté et drôlatique, du pur Wes Anderson.

Le réalisateur : Né en 1969 à Houston, Wes Anderson a étudié la philosophie, avant de réaliser son premier court métrage en 1996, "Bottle Rocket", qu'il tourne ensuite en long métrage avec les frères Wilson. Il retrouve Owen et Luke  Wilson en 1998 pour "Rushmore", suivi en 2002 de "La Famille Tenenbaum" et en 2004 de "La Vie aquatique".

Le sujet : Sur l'initiative de l'aîné, Francis, les trois frères Whitman se retrouvent en Inde pour un voyage dans un train, le Darjeeling Limited. Ils ne se sont pas vus depuis un an et la mort de leur père, et tous trois arrivent en état de fragilité : Peter attend la naissance de son premier enfant, Jack se remet difficilement d'une rupture, et Francis porte encore les marques d'un accident de moto.

Francis a demandé à un de ses employés présent lui aussi dans le train de leur concocter un programme de quête spirituelle ; mais  les antagonismes larvés et les non-dits resurgissent et rien ne va se passer comme prévu.

La critique : Un homme dont on ne voit que les pieds nus étendus sur le lit d'un palace parisien regarde un documentaire à la télévision, où l'on voit les pieds nus de cadavres dépasser d'une couverture jetée pudiquement sur eux. Puis une femme téléphone à cet homme, lui annonce son arrivée dans une demi-heure. Il s'empresse de ranger le désordre de sa chambre, tout en gardant sa nonchalance. Elle arrive (surprise ! C'est Natalie Portman), elle se dénude, elle porte des bleus sur tout le corps -on ne saura jamais pourquoi -, ils s'embrassent. Puis elle revêt la robe de chambre jaune de l'homme, tous deux vont sur le balcon admirer Paris... et apparaît de générique d'"Hôtel Chevalier", un film de Wes Anderson avec Jason Schwartzman et Natalie Portman !

Ensuite, dans une scène hitchcockienne, on voit Bill Murray dans un taxi conduit par un chauffeur enturbanné slalomer entre les vaches sacrées, et se précipiter tel James Stewart à Marrakech, courir le long du quai après un train... et se faire dépasser par Adrian Brody qui seul réussira à monter dans le Darjeeling Limited.

Ce début de "A bord du Darjeeling Limited" nous montre qu'on est bien dans un film de Wes Anderson ; déjà dans "La Vie aquatique", il nous avait déjà fait le coup du film dans le film, avec une scène qui se transformait en documentaire à la Jacques-Yves Cousteau, avec les mêmes caractères jaunes pour le générique. La pige de Bill Murray, celle à la fin du film d'Anjelica Huston, la présence des fidèles Owen Wilson (défiguré tel Nicholson dans "Chinatown") et Jason Schwartzman (cette fois aussi associé au scénario) : on retrouve là l'esprit de famille de Wes Anderson, famille élargie cette fois-ci à Adrian Brody et à Barbet Schroeder.

Autres traits propres au réalisateur de "La Famille Tenenbaum", le sens du détail absurde ou loufoque : le titre de la nouvelle écrite par Jack, "Luftwaffe automotive", le nom du parfum envoyé par son ex au même Jack, Voltaire n°6, la petite mort, les médicaments anti-toux indiens qui servent aux trois frères à se défoncer, ainsi que le rôle des répétitions cycliques : les règles énoncées par Francis (et par leur mère), le cérémonial à la montée du train, le départ du village dans le bus bondé...

Wes Anderson montre une nouvelle fois sa maîtrise de la mise en scène, notamment en jouant de l'exiguité du train où se déroule plus de la moitié de l'intrigue : panoramiques rapides pour aller d'un personnage à l'autre, traveling latéral filmé de l'extérieur du train, jeu sur les caches et recoins du compartiment. Dans une séquence onirique, il filme en traveling tous les personnages principaux dans les compartiments d'un wagon imaginaire, comme il avait filmé la vie de l'équipage du capitaine Zizzou dans une coupe du Belafonte.

Et puis cette fois-ci, même si on est encore en présence de personnages terriblement enfantins, il y a aussi une gravité et une mélancolie pour raconter cette histoire de trois frères qui n'arrivent pas à surmonter le deuil et qui posent la question formulée par Jack : serions-nous devenus amis si nous n'avions pas été frères ? Il y a au milieu du film une rupture de ton, avec un épisode dramatique. Adrian Brody raconte dans une interview que Wes Anderson lui a demandé de jouer cette scène complétement à l'opposé de ce qu'il aurait ait en temps normal -dans "Le Pianiste", par exemple -, c'est à dire de la jouer avec une forme d'absence, qui renforce l'impuissance de son personnage.

Le film s'étire un peu, comme ce voyage dans un pays où les trains se perdent ; les personnages sont souvent agaçants, de prime abord pas si sympathiques que ça, avec leurs 11 bagages hérités du père (et dessinés par un styliste de Vuitton) et leurs problèmes de riches dans une contrée si pauvre. Mais cela fait partie de leur humanité, et au-delà du burlesque et de l'absurde des épisodes qu'ils vivent, ils se débarassent progressivement de leurs mesquineries et finissent par devenir attachants.

Signalons enfin la B.O. éclectique (de Satyajit Ray à Joe Dassin en passant par The Kinks et les Rolling Stones) qui s'insére naturellement dans le récit et qui participe de la création de cette ambiance si particulière, à l'opposé de l'utilisation pesamment redondante de la musique dans de nombreux films récents, le dernier en date étant "Il y a longtemps que je t'aime".

Cluny