Film français de Philippe Lioret

Interprètes : Marie Gilain (Claire), Vincent Lindon (Stéphane), Amandine Dewasmes (Céline)    

Durée : 2 h 00

La critique : Cette histoire est tirée du roman d'Emmanuel Carrère, "D'autres vies que la mienne", et on retrouve globalement la trame de la relation professionnelle et affective entre Juliette, la jeune juge, et Etienne, le magistrat expérimenté et pugnace. La trame, mais que la trame. En effet, la richesse du roman de Carrère reposait sur l'idée de "autres que la mienne", et sur le pluriel de vies". Car si la deuxième partie de son livre se centrait sur l'histoire de Juliette et d'Etienne (tout en décrivant aussi leurs environnements et en détaillant leurs parcours), il y avait une première partie qui justifiait cette suite : la narration du tsunami de Noël 2004 au Sri Lanka, et la mort d'une autre Juliette, la petite fille d'un couple de Français rencontrés deux jours avant.

Comme dans la plupart de ses romans, "L'Adversaire", "Un Roman Russe" ou tout récemment "Limonov", Emmanuel Carrère traite brillamment du sujet, que ce soit l'histoire d'un homme qui massacre sa famille pour s'échapper de 15 ans de mensonge, ou la biographie d'un leader nationaliste russe ex-gigolo à New York ; mais comme beaucoup d'écrivains, il parle aussi de lui et de ce que ces sujets agitent chez lui. C'est cet aller et retour entre des sujets exceptionnels et la perception qu'il en a qui rend ses livres si intéressants. Dans "D'autres vies que la mienne", cet intéret est renforcé par le fait que les protagonistes de cette histoire lui avaient dit : "tu es écrivain, pourquoi n'écris-tu aps notre histoire ?"

Dans le film de Lioret, point de trace d'un narrateur, encore moins d'un auteur. On se retrouve face à la narration désincarnée d'une histoire édulcorée, tant dans son traitement de la maladie de Claire que dans celui de son combat avec Stéphane contre la stratégie de surendettement des sociétés de crédit. Dans le roman de Carrère, Juliette/Claire avait été handicapée par un mauvais usage de la radiothérapie, et Etienne/Stéphane avait été amputé d'une jambe dans sa jeunesse à la suite d'un cancer.  Emmanuel Carrère raconte ainsi leur rencontre : "Une chose fait rire Etienne quand il raconte sa rencontre avec Juliette. Ce sont les mots qui lui ont traversé l'esprit la première fois qu'il l'a vue. On a frappé la porte de son bureau, il a dit: oui, entrez, et quand il a levé les yeux elle s'avançait vers lui sur ses béquilles. Alors il a pensé : chouette ! une boiteuse."

C'est cette dimension si particulière et ce sens du détail étrange qui manque cruellement au film. La maladie ne fait qu'effleurer Claire, et Etienne a juste le visage fatigué de Vincent Lindon. Lorsqu'ils se rencontrent, c'est dans un café, comme dans tout bon film germanopratin, et chaque réplique est plus prévisible que sa précédente. Quand Claire rend visite à sa mère, elle remarque avec amertume qu'elle a acheté une nouvelle télévision, puis elle évoque la convocation à une audience ; bien, on a compris que la petite juge des surendettements a une mère noyée sous les crédits. Mais la scène continue, et se finit par une diatribe de la mère : "Si tu as fait 100 km pour me donner des leçons, tu peux rester chez toi !" Cet exemple illustre la lourdeur didactique de la mise en scène, bien loin de la maîtrise de "Je vais bien, ne t'en fais pas" et de "Welcome".

"La réalité est plus mélodramatique que la fiction", a déclaré Carrère lors de la sortie de son livre. En fictionnalisant cette réalité, c'est-à-dire en la réduisant à quelques relations simplistes, Lioret réduit l'histoire à un mélo conventionnel et attendu, là où le livre alliait la narration complexe et le vrai mélodrame. Alors certes, la qualité du jeu de Marie Gilain permet de rendre crédible et émouvante quelques scènes, mais on reste loin du compte.

Dans "D'autres vies que la mienne", Emmanuel Carrère écrit : "J'ai été et je suis encore scénariste, un de mes métiers consiste à construire des situations dramatiques et une des règles de ce métier c'est qu'il ne faut pas avoir peur de l'outrance et du mélo. Je pense tout de même que je me serais interdit, dans une fiction, un tire-larme aussi éhonté que le montage de petites filles dansant et chantant à la fête de l'école avec l'agonie de leur mère à l'hôpital." Là, elles ne dansent pas, elles adoptent le petit chien promis par leur mère...

Cluny

Film américain de Steven Spielberg

Interprètes : Jamie Bell (Tintin), Andy Serkis (Le Capitaine Haddock), Daniel Craig (Sakharine)    

Durée : 1 h 47

La critique : On connait la longue genèse de ce film : à la sortie des "Aventuriers de l'Arche perdu", Spielberg avait été étonné de voir la plupart des journaux européens évoquer Tintin. Il avait alors découvert les aventures du petit reporter, et enthousiaste, il avait pris contact avec Hergé peu de temps avant sa mort ; celui-ci lui avait donné son accord pour une adaptation au cinéma. Spielberg a remisé son projet pendant 30 ans, dans l'attente d'une technique qui permette de restituer à l'écran l'impression graphique de la ligne claire.

Ce moyen, il a estimé l'avoir trouvé à la vision d'" Avatar" : la motion capture, qui enregistre le déplacement et le jeu des acteurs et permet de le retravailler sur ordinateur, alliant ainsi la dimension naturel des mouvements et la création d'un univers graphique original. Et force est de reconnaître qu'il a eu raison de prendre son temps : le résultat est à la hauteur de l'attente. Même si ça fait drôle de voir les dents de Tintin, l'image présente à la fois une dimension réaliste faite de textures et d'ombres portées tout en conservant le charme de la ligne claire et la stylisation si reconnaissable des personnages.

Comme l'ont démontré plusieurs analystes de l'oeuvre d'Hergé comme Benoît Peters, le concept de ligne claire n'était pas qu'une notion graphique : il s'agissait aussi d'une qualité narrative, particulièrement à partir du "Secret de la Licorne" et du "Trésor de Rackam Le Rouge", où Hergé abandonne l'écriture feuilletonniste pour rédiger un véritable scénario. Spielberg et ses scénaristes ont décidé de reprendre les grandes lignes de ces deux albums (moins quelques éléments, comme l'apparition de Tournesol, ou les frères Loiseau, remplacés dans le rôle du méchant par l'inoffensif Sakharine), et de les mixer avec l'intrigue du "Crabe aux Pinces d'Or", et notamment la rencontre de Tintin et du capitaine Haddock sur le Karaboudjian.

Ce remix fonctionne, et permet de susciter l'intérêt de la surprise pour les fidèles lecteurs de Tintin, tout en présentant au public américain qui ne connaît pas le reporter du Petit Vingtième un concentré de ses aventures : on trouve aussi des éléments tirés d'autres albums, comme la Jeep rouge de "Tintin au Pays de l'Or Noir" ou le char de "L'Affaire Tournesol". Alors certes, Spielberg emprunte aussi à Spielberg, et l'épisode de la poursuite dans la ville de Bagghar au Maroc rappelle celui dans le souk du Caire dans "Les Aventuriers de l'Arche perdu".

Certaines scènes n'apportent pas grand chose, comme le duel final, et la multiplication des poursuites et des mitraillades n'ajoutent rien à un tempo enlevé qui doit bien plus à l'astuce de l'écriture et du montage. Ainsi, le scénario reprend la fameuse scène parallèle du Capitaine Haddock vivant l'histoire de son ancêtre, tout en déplaçant le lieu de cette narration dans le désert, ce qui permet une très jolie transition entre les deux époques, et en le suspendant en son milieu, afin de maintenir plus longtemps la tension dramatique. Il y a plein de petites trouvailles, comme ce premier plan où au marché, Tintin se fait portraiturer par Hergé lui-même.

Ma principale restriction repose sur l'omniprésence pesante de la musique de John Williams. Paraphrasant un gamin qui avait protesté auprès d'Hergé lors de la sortie de "La Toison d'Or" en constatant que le Capitaine Haddock n'avait pas la même voix que dans les albums, je dirais que cette musique indiana jonesque m'indispose d'autant plus que je ne me souviens pas l'avoir entendue dans les planches d'Hergé. Néanmoins, ce désagrément ne suffit pas à ternir mon double plaisir : celui du tintinophile et celui de l'amateur des meilleurs films de Spielberg, dont ce Tintin fait indéniablement partie.

Cluny

Film américain de Rupert Wyatt 

Titre original : Rise of the Planet of the Apes

Interprètes : James Franco (Wil Rodman), Freida Pinto (Caroline), Andy Serkis (César) 

Durée :  2 h 00

Le sujet : Dans un laboratoire, Will et son équipe expérimente sur des singes un traitetement pour combattre la maladie d'Alzheimer. Suite à un incident où un chimpanzé fait irruption au milieu du conseil d'administration, le patron de Will ordonne l'euthanasie de tous les singes. Mais Will découvre un bébé chimpanzé qu'il emmène chez lui et que son père baptise César. Très vite, il s'aperçoit que celui-ci a hérité des effets du traitement, et qu'il montre une intelligence impressionnante.

La critique : Après deux heures de déferlement simiesque, une question se pose : pourquoi faire un tel film ? Sans écarter les réponses à la sous-jacente évidence, comme l’appât d’un gain assuré, étudions plutôt celles données par les producteurs du projet. La première raison avancée est de donner une explication à l’origine de la domination des singes. On se situe ainsi dans le prequel, genre popularisé par la seconde trilogie de « La Guerre des Etoiles », voire dans le reboot, nouveau concept signifiant la réinitialisation d'un univers... Ce n’est pas vraiment nouveau, puisque le quatrième film de la première série, « La Conquête de la planète des singes » de J. Lee Thompson, avait déjà en 1972 cette même intention.

Il s’agissait d’une extrapolation par rapport à l’œuvre initiale de Pierre Boule, et ce qui était valable en 1974 l’est tout autant aujourd’hui : ce qui fait la magie de « La Planète des Singes », c’est le choc brutale de la découverte de cette civilisation par les trois astronautes d’Icare, et expliquer didactiquement comment les singes en sont arrivés à ce degré de supériorité sur les humains n’ajoute rien ; bien plus, cela ôte le mystère consubstantiel au roman et au(x) premiers films (celui de Franklin J. Schaffner, mais aussi celui de Tim Burton).

La deuxième justification, présentée comme un argument de vente, se situe dans la maîtrise annoncée de la technique de la capture de mouvement : comme dans « Avatar » ou « Le Seigneur des Anneaux », des acteurs ont joué les mouvements et les expressions, pour servir de base à la création numérique des singes. En tête de distribution, Andy Serkis, qui ne doit plus être reconnu que par sa mère, vu qu’il a déjà incarné Gollum et King Kong, avant de s’attaquer au Capitaine Haddock de Spielberg.

Disons-le tout net : ça ne marche pas. On ne voit pas des singes, mais bien des images de synthèse créées à partir d’hommes jouant les singes. Il y a quelque chose de faux dans la texture du pelage des singes qui jure, et l’artifice de signaler l’humanisation des singes par la coloration verte de leur iris joue contre l’intention des auteurs en enlevant un des traits principaux de l’animalité de leurs créatures.

Alors, y-a-t-il un message, un propos signifiant ? Si message il y a, il se résume à deux ou trois idées vues et revues : quand l’argent prend le pas sur l’éthique, ça finit toujours mal ; quand on veut modifier l’ordre naturel des choses, ça finit toujours mal ; quand on veut combler le vide du scénario par du grand spectacle, ça finit toujours mal. Résultat, un film qui s’étire durant les deux premiers tiers, et qui s’emballe dans le dernier, avec comme constante l’ennui.

Et puis, comme les scénaristes mettent deux heures à raconter comment une molécule-virus ( ???) destinée à guérir la maladie d’Alzheimer va donner à César le Q.I. de Sharon Stone, et qu’il faut quand même expliquer pourquoi quelques dizaines de singes réfugiés en haut de séquoias vont finir par dominer la planète, on fait appel dans le générique de fin au coup du virus destructeur dans un aéroport. Erreur tragique que cette citation : elle convoque à notre mémoire « L’Armée des 12 singes », et la comparaison est bien cruelle…

Cluny